Toute figure est un monde

Honoré de Balzac, Le Chef-d’oeuvre inconnu.

Jean-Charles Taillandier, « Entre Elles 16 – chuchotement « , planche 50 x 50 cm (détail)
ci-dessous : » Outre temps 11 « , gravure sur dalle, 30×30 cm (détail)
Agrandir : cliquer sur l’image

Par le biais de ces chroniques, je tente épisodiquement d’évoquer le suivi d’une démarche plastique à mon atelier. Je vis cette expérience au travers de deux séries gravées que je mène en simultané :
– l’une intitulée Entre elles qui a pour thématique l’expérience d’un anachronisme, quand une image unique rassemble en une fiction deux figures féminines appartenant chacune à un univers temporel différent (voir articles Propos d’atelier sur » Entre Elles « , une suite gravée, et Trois variations sur Catherine de Médicis),
– l’autre consacrée à l’art du portrait, inspiré d’une collection de portraits de papes conservée au Cabinet des estampes de la bibliothèque de Nancy (voir article Portraits d’outre-temps). Un double projet, donc, où s’immisce le temps avec son pouvoir d’oubli et de métamorphose …
Cette seconde série s’est heurtée dès l’été 2022 à une interrogation, quand s’est posée la question du support qui accueillera le travail de gravure : plaque de cuivre , ou bois ou plaque de vinyl. Tout est affaire de connivence entre le support, la main et le langage graphique qui donnera sens à l’image. On pourrait considérer comme anecdotique ce choix du support, a priori toutes les techniques sont compatibles, à moins qu’une en particulier ait les faveurs de l’artiste par inclination ou expérience. C’est selon… Je pense que tous les graveurs ont ce genre de ruminations à un moment ou à un autre. J’avais opté pour le langage de l’eau-forte, en creux, et c’était une erreur… Je n’y reviens pas, j’ai évoqué ces déboires dans La gravure dans tous ses états, puis Portraits d’outre temps…

Ce qui est fondamental dans la démarche qui me guide tout au long de mon travail de graveur, est ce rapport mystérieux au temps qu’instaure mon propre imaginaire avec certaines œuvres d’art du passé. Plus qu’un attrait ou préférence, il s’agit plutôt d’une expérience de regard, riche d’interrogations multiples qui me poursuit de série en série.

L’écrivain Alberto Manguel, dans son ouvrage Le livre d’images, que je consulte souvent, livre quelques clés.
Je le cite : « Toute œuvre d’art croît à travers d’innombrables couches de lectures superposées, et chaque lecteur la débarrasse de ses couches afin d’arriver à elle en ses propres termes. Pour cette dernière (et première) lecture, nous sommes seuls.« (le livre d’images-Actes sud p.35).

Ces travaux en cours abordent cette question de la représentation :
Dans le cadre prédéfini d’un format toujours carré, plusieurs images de la série Entre elles proposent une scène mettant en relation deux présences féminines d’univers différents. L’une est une femme d’aujourd’hui, la seconde surgit d’un temps ancien et révolu qui peut être le Moyen-Age ou le dix-septième siècle. Mon imagination les rassemble dans cet espace clos qui raconte une rencontre impossible. La seconde jeune fille n’est pourtant pas pure création de mon esprit, elle a réellement vécu dans ces temps obscurs, et les collections des musées en portent témoignage. Souvent la grande Histoire n’a pas retenu jusqu’à nous son destin, son nom ou l’identité du peintre qui l’a choisie pour modèle. C’est ce qui m’émeut : qu’elle soit ici présente dans sa vérité sans fard et son monde brut et étanche qui n’est pas le nôtre. C’est ce que je cherche à appréhender : cette présence innocente dépouillée de toutes les couches de lecture d’interprétation dont pourraient la revêtir une biographie retrouvée, l’histoire de l’art ou toutes sortes de commentaires opportuns ou non…

La composition ci-dessouspar exemple, propose l’idée d’un chuchotement d’une femme d’aujourd’hui à l’oreille d’une femme d’un autre temps. Elle écoute attentivement le message, tel un secret que sa voisine lui confie. Nul ne sait ce que sont ces paroles que rend possible l’abolition du temps dans l’espace d’une image. Il me fallait trouver l’incarnation de cette présence inopinée, révélée à notre monde par sa seule silhouette. Elle est là, surprise et figée dans son écoute muette qu’un destin a incarné sous les traits d’une jeune femme du seizième siècle.
Je l’imagine ainsi, intacte sous toutes ses couches de lecture et d’interprétation qu’évoque Alberto Manguel. Mes recherches pour lui donner chair m’ont guidé jusqu’à cette peinture sur toile laconiquement titrée Portrait de femme, non datée, œuvre d’une artiste femme de la Renaissance nordique dénommée Katarina von Hemessen.

Jean-Charles Taillandier, » Entre Elles 16 – chuchotement « , xylographie 50 x 50 cm, année 2023.
source : Katarina von Hemessen, portrait de femme, non daté (vers 1560) – Bower Museum, Barnard Castle, Royaume Uni.
Ci-dessous : calque préparatoire (détail)

Jean-Charles Taillandier, » Entre Elles 10 – une rencontre « , xylographie 50 x 50 cm, année 2022.
source : Peinture Ecole flamande, Dame Bonne d’Artois, stadtliche Museen, Berlin.

Jean-Charles Taillandier, » Entre Elles 17 – Halloween « , xylographie 50 x 50 cm, année 2022.
source : gravure de Claude Mellan, portrait de Jeune fille, 1626 (Donation Jacques Thuillier, musée des beaux arts, Nancy).

Jean-Charles Taillandier, » Entre Elles 17 – Halloween « , planche 50 x 50 cm (détail).

Jean-Charles Taillandier, » Entre Elles 6 – Isabelle au foulard « , planche et tirage (50×50 cm) (2022).

Toujours dans le domaine du portrait, la seconde série gravée Portraits d’outre-temps a été amorcée dès l’été 2022. L’article précédent en a fait largement écho. Aujourd’hui, la série, désormais close, compte seize planches différentes gravées sur dalles vinyl, au format 30×30 cm. La prochaine étape sera leur tirage sur un papier artisanal, en deux couleurs noire et rouge et pour un nombre d’exemplaires limité encore indéterminé.

Dans une démarche comparable à la série Entre elles, mon souhait est de retrouver dans ces portraits de papes une innocence de la figure, et de me la réapproprier pour mon propre dessein (dessin). Mais à l’inverse des figures féminines précédentes que leur destin a tenu dans les profonds recoins de l’histoire, les effigies des papes rayonnaient d’une puissance symbolique et sacrée.

Initialement donc, je dispose d’une sélection choisie des gravures originales extraites de la collection publique (plus précisément des fichiers numériques de ces œuvres). La pose des souverains pontifes est hiératique et conventionnelle, de face, de profil ou sur un trône. La figure est inscrite dans un rectangle ou un médaillon. En pourtour, un cartouche en langue latine et des armoiries en précisent l’identité et les titres honorifiques.

Leur observation attentive donne corps à des croquis préparatoires sur calque qui vont devenir mon « matériau de base ». Ils s’accumulent au fil des séances de travail, autonomes, ou se rassemblent au besoin par fragments épars pour générer une composition nouvelle. Le motif s’épure, limité au vocabulaire du trait et de l’aplat enrichi de fragments de graphie latine aléatoirement puisés à la source, sans souci de cohérence de sens.
Le portrait se déleste de l’auréole des savoirs et des connaissances qui le singularisait.

L’original cesse d’exister au profit d’une proposition graphique de lecture qui est mienne, parfaitement imaginaire, subjective et minimaliste dans la forme.

S. Thomassin, portrait d’Innocent XII (1696) / Michael Labhardt, portait d’Innocent XIII
source : Cabinet des estampes, Nancy.

Jean-Charles Taillandier, » outre-temps 1 / outre-temps 2 « , essais sur papier, format 30×30 cm, 2023
ci-dessous : calques préparatoires et planche.

Jean-Charles Taillandier, » outre-temps 3 « , maquette sur papier, format 30×30 cm, 2023
ci-dessous : planche et calque préparatoire.

Jac Vitali, inventaire et manifeste

**Jac Vitali** – **Danseurs # 58, #56, #59**, 2022
Cire et acrylique sur carton entoilé, chacun 33×23 cm.

Je connais Jac Vitali depuis de longues années, et j’en apprécie l’œuvre qui méticuleusement se construit sur la base d’un « enfoui » qu’il creuse et interroge, que ce soit par son langage de plasticien omniprésent, ou de créateur d’univers sonore associé à son passé de musicien. L’occasion nous sera donnée plus loin d’évoquer son rapport au son, qui associé à sa peinture, nourrira son langage personnel. De son propre aveu, inventaire et manifeste sont les deux mots-clés qui définissent sa démarche de créateur. Sa peinture opère des mutations, elle interroge la matière sur la réapparition dans une figuration répétitive où l’érosion questionne la réalité et la pérennité de l’image.
Il présente ainsi son travail de façon régulière depuis les années quatre-vingt-dix, en Lorraine où il réside, ou hors des frontières régionales (Oslo, Rabat, Oujda, São Paulo, Liège, Paris…). Au gré des expositions, il dresse l’inventaire de son monde intime, et ce n’est pas un hasard si beaucoup de ses expositions ont pour titre Manifeste… , dont le sens figuré du mot désigne, en droit maritime, la liste des marchandises composant la cargaison d’un navire dans ses cales.
Comme autant d’outils au service d’un art remède à l’adversité du monde.

Dans cet inventaire métaphorique, la thématique du danseur figure en bonne place. Selon son procédé de multiples métamorphoses d’un même motif, Jac Vitali l’a traitée une soixantaine de fois en douze années. C’est un long processus créatif, qu’il poursuit encore aujourd’hui, au cours duquel la figuration précise et répétitive se trouve transformée par l’érosion, l’effacement qui questionne la réalité et la pérennité de l’image. Cette image de danseur est inspirée d’une gravure de lutteur en position de défense, découverte dans une encyclopédie des années 1900. Dans cette série de peintures sur carton, il est nommé danseur, en miroir d’une citation que cite l’artiste : « dans un monde voué à l’immoralité, seul le danseur reste immobile ». On peut alors voir ces personnages comme la métaphore d’une protection face à l’adversité, face aux absurdités du monde.

**Jac Vitali** – ***Pavane*** # 36, 2021
Cire, acrylique, papier préparé, carton entoilé sur châssis, 22×46 cm.

La série peinte « Pavane » est travaillée à la même époque. La pavane était une danse en vogue au seizième et dix-septième siècle, d’un caractère lent, solennel et plein de désinvolture. La figure du poisson en reprend ici la métaphore de l’évitement par la fuite. Telle une danse lente, les poissons se meuvent dans l’eau, certains remontent le courant, la plupart se dirigeant vers la gauche, synonyme en lecture occidentale d’un retour en arrière. Ils sont dépouillés, décharnés, de plus en plus dépossédés, mais libérés de toute contrainte et obligation. C’est l’image symbole d’une certaine désobéissance.

Les travaux plastiques sur papier ou toile que réalisent Jac Vitali depuis ses débuts ne sauraient être appréhendés sans une variable essentielle et primordiale : le temps. La distanciation opérée par le passage des années nourrit naturellement le regard intérieur de l’artiste dans sa façon de considérer le passé, qu’il soit son univers intime ou le monde. Il est une autre façon de capter les métamorphoses du temps, quand la technologie qui a pour fonction de capter les images du monde elle-même mute, et rend malléable toute figuration qui, de vérité palpable devient souvenir. C’est à cette expérience qu’il s’est livré dans sa série de peintures intitulée « Salamandre ». Autre métaphore : au Moyen Âge, on attribuait aux salamandres la faculté de vivre dans le feu, et c’était un nom utilisé en alchimie à un des phénomènes de sublimation de la matière : le passage de l’état solide à l’état gazeux. Soit donc il y a quarante ans une capture d’écran de magnétoscope qu’il opère par prise de vue photographique, laquelle est retravaillée en labo, et, par transferts successifs devient peinture. La peinture est ainsi réceptacle d’un support sensible qui passe à travers différentes techniques. Une (autre) image naît au travers des métamorphoses du temps. « Là cette image est à lire comme le fantôme d’une présence qui reste intouchable, l’apparition d’une future et possible invisibilité. J’aime l’idée d’un croisement entre la vaillance et l’effacement ».

**Jac Vitali** – ***Salamandre #7*** , 2021
technique mixte, carton entoilé sur châssis, 25×44 cm.

***Jac Vitali – Retour du naturaliste***, 2014
dispositif sonore, cire et acrylique sur toile, chaque panneau 200×175 cm
Halle à grains – Château des Lumières de Lunéville.

Le temps, facteur d’évanescence de toute chose et des évènements du passé tourne aussi le regard de l’artiste vers son univers d’enfant, et sa propre mémoire qui nourrit son œuvre. Ainsi en 2007-2008, il intervient sur le thème de la mémoire ouvrière pour la ville de Baccarat dans le cadre d’une résidence d’artiste.
De janvier à septembre 2014, Jac Vitali est invité en résidence au Château des Lumières de Lunéville. Installé sur le site de la Halle à grains, son « atelier-yourte » se veut un atelier ouvert au public, qui peut rencontrer pendant cinq mois le plasticien autour des questions liées à la conception d’une œuvre : quatre grandes toiles sur l’apparition d’une forme animale (le cerf) symbolisant sa rencontre avec le château, qui date de sa petite enfance, quand le lieu abritait un musée zoologique. Cette création conçue pendant la première partie de la résidence a été présentée au public et associée à Ma secrète entreprise, exposition retraçant deux décennies de son travail personnel.

Nous avons évoqué plus haut son passé de musicien. Jac Vitali a très tôt évolué dans le monde de la création musicale – une période révolue, vécue avant tout comme un espace de liberté, un temps qui va beaucoup compter dans le cheminement vers son travail de plasticien. Parallèlement, il poursuit sa méthode d’exploration de sa matière sonore pour l’associer à la dimension iconographique de ses toiles. Dès lors, la nécessité de composer la bande-son d’un film que serait la forme picturale s’impose à lui pour installer sa peinture, chargée d’une nouvelle apparence.

Jac Vitali – Coffret Manifesto, 2022 (*)

Ces environnements singuliers de résonances et de boucles hypnotiques, associées à ses peintures, ont fait l’objet de nombreuses installations exposées en galerie et centres d’art depuis plus de vingt ans. À partir de 2002, il collabore avec les éditions La Dragonne animées par son fondateur Olivier Brun, ainsi qu’avec l’écrivain poète belge Pascal Leclercq, sous la forme d’un dialogue entre écriture, peinture, typographie et recherches sonores. S’en suivront une dizaine d’ouvrages et de nombreuses performances en public qui associent la lecture de l’auteur aux interventions instrumentales in situ du plasticien. Son long compagnonnage artistique avec Pascal Leclerc est jalonné de livres d’artistes dont témoigne par exemple la peinture « Qui reconnaîtra sa maison ? » réalisée en 2022.
Cette même année voit la publication du coffret Manifesto (*) qui présente une sélection d’environnements sonores : un CD audio et un livret dans une édition limitée et signée, enrichie d’une peinture originale.

**Jac Vitali – Qui reconnaîtra sa maison ?** 2022
Cire, acrylique sur toile, 30×15 cm.

Jac Vitali – Coffret Manifesto, 2022 (*)
– coffret carton
– livret 20 pages, numéroté et signé, 20 x 15 cm « Hand made » impression jet d’encre et acrylique sur Centaure Ivoire,
Ramsès Calligraphie, Clairefontaine noir et carton bois.
– « Inventaire » : un CD audio 18 titres, 60’45 »
– Une peinture originale signée et datée, acrylique sur papier préparé, 24×16 cm.

Coordonnées de l’artiste
Instagram : https://www.instagram.com/jac_vitali/?hl=fr
mail : jacques.vitali@neuf.fr

Autres informations sur l’artiste : http://www.taillandier-art.com/vitaliindex.htm

Propos d’atelier sur « Entre Elles », une suite gravée.

**Jean-Charles Taillandier,** « Femmes-13 », vue des 2 planches en cours
xylographies 50 x 50 cm, année 2021.
Cliquer sur l’image pour l’agrandir

Dans l’article récent “Trois variations autour de Catherine de Médicis“, j’abordais il y a quelques semaines, la description d’un nouveau projet plastique autour d’une thématique développée déjà dans des travaux antérieurs : l’anachronisme d’une image dû à la présence incongrue de rencontres ou postures appartenant à des temporalités différentes. En l’occurrence donc, l’irruption au sein d’une même planche gravée de deux univers féminins, l’un appartenant à la période lointaine Renaissance Italienne, l’autre à notre période contemporaine… J’ambitionnais de présenter maintenant la suite complète, gravée et imprimée, mais c’était sans compter sur un travail d’atelier long, technique et exigeant pour chaque planche. Certaines d’entre elles ont été menées à bien jusqu’au tirage final, mais d’autres ont été abandonnées en cours de route, au profit d’une version nouvelle plus convaincante à mes yeux.

« Entre Elles » sera le titre, désormais choisi, de la suite gravée, mais quelques jours de travail sont encore nécessaires avant de pouvoir la présenter dans sa globalité.

Je vais donc consacrer cette chronique à quelques propos d’atelier qui concernent le processus évolutif de ces gravures en relief particulières (en l’occurrence ici procédé de la gravure sur bois, mais ce pourrait aussi bien être gravure sur linoléum, ou dalles de sol vinyl – voir ma suite gravée « Les bas rouges« ). Tout part de l’idée d’un motif ébauché sur papier à reporter sur un support préparé, poncé et peint en blanc pour le confort de l’œil, que l’on creusera avec divers outils, gouges et ciseaux. L’image définitive imprimée étant donc inversée par rapport à la planche gravée.
La gravure sera jugée satisfaisante et aboutie dans l’esprit de son auteur quand un point final sera mis aux corrections et essais nécessaires. D’où nombre d’allers-retours entre les ébauches et repères sur papier-calque, et la matrice elle-même. Ce qui peut être un processus long, compte-tenu des désirs du graveur (composition de l’image, équilibre des noirs et des blancs, masquages de surface dans le cas de plusieurs couleurs, repentirs…) Viendra ensuite la phase finale d’impression des épreuves sur papier, numérotées en édition limitée. Ces considérations sont un peu techniques, mais chaque graveur est confronté à ces questions.

Tout cela est affaire d’étapes successives dans le temps, et il est fréquent de mener le processus sur plusieurs planches simultanément. Je ne garde pas la mémoire de ces travaux. J’ai toutefois conservé des clichés de quelques phases dans l’évolution des gravures 4 et 5 de la série, qui me permettent d’illustrer par l’exemple ces commentaires :

« Entre Elles – 4 »

Ci-dessous : les deux personnages féminins dont l’aspect général (visage, coiffure, vêtements), révèlent deux temporalités différentes, se font face frontalement. Leur échange de regards traduit un instant de questionnement intense qui les fige, l’une et l’autre. Dans le format carré de la scène, il me fallait aussi évoquer par la ligne verticale du fond la frontière entre leurs deux univers. J’ai ensuite commencé par graver dans la planche la femme positionnée à droite (qui sera imprimée en noir et à gauche sur l’épreuve imprimée), avant de poursuivre le travail avec la gravure de la femme positionnée à gauche. J’ai terminé par le travail en aplat du fond, en évidant l’espace délimité par les hachures oranges, qui sera occupé ultérieurement par une seconde planche imprimée en gris. De même pour le pull rayé
Ps : je ne situe plus, hélas, cette « femme à la pomme », dont je m’inspire… Elle est sans doute un personnage isolé d’une œuvre peinte au Quattrocento italien ! Je remercie par avance tout lecteur qui pourrait me renseigner sur cette source iconographique.

**Jean-Charles Taillandier,** « Entre Elles-4 »,
**xylographie 50 x 50 cm, 2 couleurs, année 2021.**
Précédée de trois étapes de son évolution.

« Entre Elles – 5 »

Ci-dessous : le visage de femme d’un autre temps est inspiré d’un portrait de femme peint par Frans Pourbus l’Ancien (1578), conservé au Musée de Grenoble. La mise en place de la scène fait là encore l’objet d’un croquis à la mine de plomb et stylo. Le regard de surprise est jeté cette fois-ci par la jeune femme contemporaine qui arrive à sa hauteur par l’arrière. J’ai commencé par graver le portrait de la femme ancienne, en soulignant sa différence par l’aplat gris de son manteau, que je matérialiserai par une seconde planche gravée.

**Jean-Charles Taillandier,** « Entre Elles-5 »,
**xylographie 50 x 50 cm, 2 couleurs, année 2021.**
Précédée de trois étapes de son évolution.

Trois variations sur Catherine de Médicis

Ma précédente suite d’estampes numériques “Fake news en dentelles“ (voir article) poursuivait l’ambition de mettre en connivence avec l’actualité de notre temps des portraits gravés de l’époque Baroque . Ce fut une façon teintée d’ironie et de légèreté de troubler et pervertir la grandiloquence de ces illustres modèles, mais surtout, de tenter de soulever par ce geste artistique, le potentiel manipulable, voire mensonger de toute image. Cette expérience graphique qui prenait pour base un témoignage gravé par Peter de Jode il y a plus de trois siècles, était plus à mon regard qu’une résurgence d’un temps lointain hors de portée. Elle offrait un potentiel créatif ouvert à des perspectives bien contemporaines : un espace ouvert à des temporalités différentes, d’où peut surgir l’inattendu, la connivence et comme une fraternité de regards.

C’est une prolongation de cette expérience que je souhaite faire partager dans ce nouvel article. Le propos en est simple : introduire dans une image référencée de l’histoire de l’art un élément perturbateur qui s’interpose à notre regard comme une énigme, un grain de sable qui perturbe la mécanique de notre œil. Une dissidence s’interpose alors dans le processus de fabrication de l’image et vient perturber le confort de notre vision, ou tout au moins, l’image mentale préconçue que nous en avons.

**Corneille de Lyon**, *Portrait de Catherine de Médicis*
Huile sur toile (vers1536), c/o National Trust collection, UK.

Variation 1

C’est en tout cas mon ambition initiale que je souhaite poursuivre, non plus avec les ressources de l’estampe numérique que j’avais privilégiée pour l’expérience précédente de “Fake news en dentelles“, mais avec le recours de la xylographie dont j’apprécie le primitivisme du trait limité au recours épuré de trois couleurs que sont le blanc, le noir et le gris.

L’homogénéité attendue de cette nouvelle suite gravée, dont le titre n’est pas encore défini, m’obligeait à choisir une thématique qui soit affirmée dans l’histoire de l’art et suffisamment distance de nos références stylistiques actuelles pour rendre efficace cette disjonction dans l’image.

Temps passé, temps présent… la thématique essentielle est le temps, mais le personnage unique est la femme. Soit représentée seule, soit accompagnée. L’amorce de la démarche plastique a donc été le choix délibéré de portraits de femmes appartenant ou proches de la période Renaissance, représentées selon les codes de leur temps, mais transposées dans notre vingt-et-unième siècle par le miracle d’un détail de costume, d’objet, de gestuelle ou de décor incongru de leur époque. Ou rencontre fortuite de deux personnages féminins appartenant à des époques et univers mentaux étrangers l’un à l’autre.

À ce stade du travail, treize planches ont été gravées et imprimées sur un papier Fabriano pour un tirage qui n’excédera pas les 10 exemplaires. Certaines sont encore en cours de séchage et je ne manquerai pas de présenter la série complète dans une prochaine actualité de ce blog.
Le présent article a pour but de donner un aperçu de mon travail en cours à l’atelier. J’ai choisi de présenter trois d’entre-elles, qui ont la caractéristique commune d’être inspirées d’un même portrait de Catherine de Médicis peint par Corneille de Lyon vers 1536.
Et un dernier, inspiré d’un portait d’après Frans Pourbus l’Ancien.

**Jean-Charles Taillandier,** Variation 1 sur Catherine de *Médicis*.
ci-dessus et en bas à droite : la planche gravée en cours de réalisation, format 50 x 50 cm, année 2021.
(cliquer dessus pour agrandissement)

Faisant suite à une ébauche de la composition sur papier au format réel, le tracé du motif est transféré sur la planche de bois à graver, préalablement passée au blanc. Il convient ensuite d’évider le bois pour traduire le blanc sur la future estampe. Ce qui n’empêche pas les retouches et ajustements à faire, signalés par des marques de couleur. Mais quelquefois, la gravure bien avancée ne me convainc pas et je l’abandonne, pour une nouvelle version (exemple ci-dessus : la planche de gauche qui devait être la Variation 2 a été abandonnée au profit de la nouvelle composition ci-dessous).

Variation 2

Variation 3

À suivre…

Exposition « Poméranie -Lorraine »

**Dorota Splocharska** – *Monidla*, broderie sur tissus, chacune 60×60 cm.

La période du 2 au 23 juillet 2022 marquera d’une pierre blanche la rencontre fructueuse d’artistes polonaises au pays de Stanislas, à Nancy. L’exposition « Poméranie – Lorraine » eut lieu aux Ateliers du Canal, qui est devenu un lieu à vocation de rencontres culturelles et d’expositions selon les vœux de leurs fondateurs Catherine et Joël Krauss. En partenariat avec l’association Nancy-France Pologne, le projet a été élaboré sous l’égide de Dorota Szymanska, membre de l’association des Ateliers du Canal et elle-même artiste d’origine polonaise vivant à Nancy. Riche d’animations et de rencontres, il permit d’accueillir un groupe de huit femmes artistes dont certaines sont membres du collectif Teytoria Stowarzyszone (« Territoires associés »). Autodidactes ou issues des Académies ou Universités d’art de Gdansk, Varsovie et Poznan, elles s’expriment dans des domaines de prédilection souvent multiples (dessin, peinture, photographie, installation, tissage, sculpture), chacune témoignant d’un univers singulier. Ce qui ne contrarie pas le fait de partager des motivations communes, voire intimes, au cœur de leur démarche artistique. Jusqu’à donner à l’exposition une unité de ton et d’émotion, largement partagée par le public nancéien qui découvrait ces artistes.

Un témoignage de reconnaissance, commun a plusieurs de ces artistes, s’adresse à Elzbieta Tegowska, qui fut leur professeur et dont l’exposition présente plusieurs œuvres. Citons Dorota Szymanska : » Avant de faire les beaux-arts, j’ai pris des cours auprès d’Elzbieta Tegowska. Et plusieurs de ses élèves , qui ensuite ont poursuivi leur carrière, comme moi en France, en Angleterre, etc…, ou sur place en Pologne, se sont réunis en un groupe indépendant d’artistes, et c’est ce groupe « Territoires Associés » qui constitue le cœur de cette exposition… ». En qualité d’enseignante, elle a encouragé nombre d’élèves dans leur démarche personnelle d’artiste, et l’exposition lui rend hommage. L’art est pour elle un carrefour de dialogue entre les cultures, à travers le temps et l’espace. Plusieurs de ses œuvres exposées ici (peintures et dessins) témoignent d’un art spontané, très libre, aux carrefour des peuples et des classifications de l’histoire de l’art. Son langage se déploie autant dans le graphisme minutieux du trait à l’encre de Chine sur papier blanc, qu’en peinture épaisse et volubile mettant en valeur les contrastes de couleurs vives.

Les dessins à la mine de plomb de Magda Nowak partagent eux aussi cette dynamique de spontanéité et d’improvisation, à la poursuite, ou plutôt à la recherche effrénée d’un visage (celui de l’enfance ?) que le tournoiement du trait finira par cerner en effigie dans le vaste blanc de la feuille. C’est là un exercice de l’œil et de la main, dans un élan qui, au final, cernera les contours et le regard du personnage. Nous ne sommes pas loin de l’acte photographique dans cette suspension du temps, et aussi du dessin d’enfant dans son innocence du geste. Ses effigies de format modeste côtoient dans la seconde salle de l’exposition un quatrième dessin où l’exercice graphique est renouvelé avec une grande amplitude du geste. Dans tous les cas, c’est une grande économie de moyens qui s’allie au minimalisme du trait sur une simple feuille blanche.

**Elzbieta Tegowska** – huile sur toile, 30×25 cm, année 1994.

**Magda Nowak** – *Effigie*, dessin à la mine de plomb, 21×29 cm.

**Ursula Borysiak** – Installation
Marie Novakowski – *Homme nu*, acrylique sur papier, 15×20 cm.

Un thème récurrent dans l’exposition est celui de l’enfance, qu’il soit abordé sous l’angle de l’innocence, de l’irréel ou du rêve, ou bien dans la nostalgie d’un retour sur les années passées.

Dans le cas d’Ursula Borysiak, il se double d’un travail de mémoire et de retour sur ses racines. Artiste autodidacte d’origine polonaise née en France, elle invite, dans son intime cabinet de curiosités, de menus objets du quotidien à faire retour sur son enfance et ses racines familiales bouleversées par la guerre et l’exil de ses parents. De petites boîtes vernies emplies de gommes, noisettes, crayons mâchonnés portent témoignage de cet univers d’enfance que l’on devine encore à vif. C’est tout un cheminement mental qui parcourt à rebours les cartes topographiques présentées au mur, qui délimitent le périmètre de jeunes années dans un temps troublé où l’école a joué un rôle déterminant sur le chemin d’émancipation et d’évolution de l’artiste.
Marie Nowzakowski partage aussi, par l’expression artistique, cette nostalgie des origines. Née de père polonais, elle habite dans les Vosges. Elle s’exprime par l’encre et l’acrylique dans des œuvres pleines de couleurs. Elle pratique aussi l’affiche et l’illustration dans des thématiques baignées de culture populaire. Son style naïf, tourné vers l’allégorie, se superpose à des motifs singuliers chargés de symboles, qu’elle peint sur des œuvres sur papier, ou dans des cadres petit format pleins de poésie. Une façon bien à elle d’explorer l’intime et le monde de l’enfance… « C’est en me déplaçant en Pologne que j’ai enfin compris pourquoi !« .

Alors qu’ Ursula Borysiak trouve une empreinte affective à son passé dans les recoins d’une trousse d’écolière, Dorota Splocharska, elle, choisit comme support de prédilection les tissus usagés qui appartenaient à des membres de sa famille : broderies, nappes, bandages, draps de literie. Ils sont comme une seconde peau qui abolit le temps et tissent avec les disparus une perpétuelle présence. Présentée à l’exposition sous le titre Monidla, les trois portraits de ses proches brodées sur toile légère flottent dans l’air, et dans leur fragile matérialité ont la légèreté d’un souvenir. Une notice explique que l’artiste prolonge dans son geste une ancienne coutume polonaise qui retouchait les portraits photographiques anciens de couples mariés ou célibataires en soulignant leur lèvre de couleur rouge, et leurs yeux de couleur bleue. Le tissu devient acte de transmission de mémoire, et revêt une portée symbolique, qui transcende le passé, telle une image sacrée.

Outre l’art de la broderie qu’elle présente ici, aux côtés de trois tentures de grand format, Aska Borof s’exprime par l’installation, la vidéo et le chant. Elle est passionnée de musique folklorique et a créé un groupe de chant et de performance Tricorki (les trois sœurs). Paraphrasant les ressources plastiques de l’art sacré, elle brode elle-aussi sur le linge ancien. Son inspiration plonge aux racines profondes de la campagne polonaise, dans une approche quasi-ethnographique des superstitions. J’y vois un art fort de dénonciation de l’emprise religieuse ancestrale dont la femme a été le réceptacle principal. C’est un détournement subtil de l’art de la broderie pour interroger les normes sociales, il est naïf dans son aspect formel, mais très politique dans le message féministe qu’il délivre.

Aska Borof – Broderie, 32×24 cm.

Et puis, dans une philosophie de l’art, qui peut être un héritage de l’enseignement d’Elzbieta Tegowska évoqué plus haut, il existe une voie qui laisse à l’artiste l’absolue liberté d’exprimer son expérience du sensible et de son monde intérieur, ouverte à toutes fantaisies et expériences formelles. De la même façon aussi, libre au spectateur qui découvre l’œuvre de la recevoir et la ressentir à sa façon selon son humeur et la spontanéité du moment. C’est le cas de la création de Dorota Szymanska qui donne à découvrir en transparence un monde coloré peuplé de fleurs et de textures né de l’expressivité d’un instant. Les fines couches de couleur à l’aquarelle ou huile se superposent pour donner corps à l’image, dans une fugacité et légèreté des formes qu’accentue encore la finesse du support. Faut-il y voir la réminiscence d’une vision d’enfance de la même façon que l’imagination la déploie dans les peintures et dessins d’Anna Sokolska ? Dans les deux cas, c’est une tentative personnelle de raconter l’invisible, dans un état de disponibilité sereine ou chaotique exprimée chez l’une par des couleurs, des formes ou des textures, et chez l’autre par un recours à l’onirisme et le monde de l’enfance. Au premier regard, nous sommes surpris chez Anna Sokolska par l’omniprésence du squelette qui ferait osciller sa peinture entre l’univers surréaliste et la peinture de Vanités. Mais il n’y a rien de macabre dans cette représentation, juste une envie poétique de découvrir avec un regard juvénile ce que peux bien cacher sous sa peau l’intérieur d’un corps humain ou d’animal, à la façon dont on démonterait le boîtier d’une horloge pour en découvrir le mécanisme secret de ses aiguilles. Chez ces deux artistes, c’est une invitation à l’imaginaire pour découvrir l’au-delà des apparences.

**Dorota Szymanska** – Peinture sur tissu, 80×120 cm

**Anna Sokolska** – *Sniezne Serce*, acrylique sur bois, 100×70 cm.

Et pour clore cette visite d’exposition, je vous invite à un dernier coup d’œil (cliquer sur l’image) :

https://www.facebook.com/TerytoriaStowarzyszone/

Xavier Thomen, retour de Chine

**Xavier Thomen – *Monts et Eaux (Shanshui*)**
*Acrylique /collages* (1), 50×50 cm.

On imagine d’immenses cieux délavés sur des étendues de terre ocre, de vastes horizons de prairies, des réseaux de rivières dans des vallées profondes, et des cimes enneigées. Et puis des bandes de couleur qui s’interfèrent dans ce paysage, qui flottent comme portées par le vent. Et on se dit que les peintures/collages de Xavier Thomen ont à révéler beaucoup plus que ce qu’elles dévoilent à notre œil intrigué. Que nous sommes dans le territoire vrai de la peinture, quand la peinture s’aventure au-delà d’un simple compte-rendu visuel des paysages Elle est la symbiose d’un réel et d’un imaginaire, révélatrice de la complexité d’une histoire que le peintre entretient avec le monde et son histoire intime.

Cette exposition Monts et Eaux (Shanshui) de Xavier Thomen a été présentée en Focus à la Galerie Artothèque 379 de Nancy, du 1^er novembre au 19 décembre 2021. Elle s’inspire d’un voyage d’études de l’artiste en Chine, arpentée en 2014, puis en 2017, de Shanghai à Pékin, de la Cité Interdite à la Grande Muraille et de l’une des routes de la Soie jusqu’aux portes du Tibet. Dès son premier voyage, l’artiste s’imprègne de cet univers immense et de symboles partout présents, notamment le cercle et le carré qui régissent l’architecture des maisons. Tout au long de ces routes millénaires empruntées sans doute par Lao-tzu et ses disciples, croisant les hordes du grand Khan et les caravanes d’Arabie, il s’imprègne de ce monde nouveau. La Montagne de l’âme de Gao Xingjian qu’il a lu avant son voyage accompagne chacun de ses pas. Il en connait les récits mythiques et les encres, qui donnent à ce périple une dimension hors du temps.

**Xavier Thomen – *Monts et Eaux (Shanshui*)**
*Acrylique /collages* (2-3-4), 50×50 cm.

Et puis, faut-il préciser de l’aveu même de l’artiste, une double connivence, intime et profonde le lie à la Chine. Elle a pour origine son vécu personnel et son rapport domestique aux malheurs des inondations. Xavier Thomen est originaire de la région parisienne, et son destin familial l’a installé dans une maison-atelier située dans une commune rurale du nord de la Meurthe-et-Moselle, en bord de rivière. Il a été victime de plusieurs crues destructrices, notamment en 1993 et 1994, causant de profonds dégâts à son logis et à beaucoup de ses travaux de création. Il travailla à sauvegarder ce qu’il put de ses œuvres antérieures, et au cours de la remise en état de son mobilier, il découvre dans une malle des documents d’archives familiales, parmi lesquels cartes postales, relevés topographiques de territoires et fragments de papiers peints anciens, le tout provenant de Chine : toutes reliques conservées d’un ancêtre qui avait été ingénieur installateur de télégraphes, missionné sur place pendant les années de colonisation européenne précédant la proclamation de la République de Chine. La Chine a une tradition multiséculaire de lutte contre le fléau des inondations. Dès ses premiers âges et les exploits héroïques du Grand Yu, combattant du Déluge et des inondations, elle était vaste terre de combats mythiques contre les génies malfaisants qui infestent ses eaux . La spiritualité chinoise est nourrie de cette interférence entre la terre, les eaux, la nature entière et l’humain. Qui sait si une telle connivence consciente ou inconsciente ne motivait pas son appel au voyage vers ce pays lointain ? Et le voici, dans sa propre maison, découvreur de cartes géographiques centenaires et d’anciens papiers peints chinois abimés par les eaux débordantes de l’Orne au seuil de sa porte !

À défaut d’un geste du destin, comment ne pas voir dans ces circonstances personnelles, au retour de ces voyages, un appel à l’imaginaire du peintre et du sculpteur dans le laboratoire de l’atelier. L’imaginaire se nourrit de telles opportunités; pour faire germer des réminiscences de mémoire avec les rescousses de l’acrylique, de parcelles de papiers, ou autres fragments d’acier et de bois… Sans doute fruit d’une lente maturation pour traduire en couleurs et formes les vastes étendues ocres de terre et les filets verts qui les protègent de l’érosion et des tempêtes. Ou bien les reflets d’or entrevus dans un monastère taoiste et bouddiste, les terres cuites de l’armée fantôme de Xi’an ou les drapeaux de prière multicolores bercés par le vent aux portes du Tibet. Tout était désormais disponible pour le travail d’atelier : les milliers de photos rapportées des voyages, les souvenirs et impressions enfouies, les richesses humaines des rencontres, et les fragments de papier retrouvés dans la malle.

L’exposition Focus Monts et Eaux (Shanshui) de Xavier Thomen présentait à la Galerie Artothèque 379 de Nancy différentes œuvres de cette série : des formats carrés sur papier 20×20 cm intégrés dans la collection des Carré 379, des acryliques sur toile avec collage de format 30×30 à 50×50 cm. Sans oublier plusieurs sculptures en acier et bois, suspendues en l’air en pendule, loin du sol, inattaquables donc et à l’abri de Gonggong, le génie des eaux malfaisant de la mythologie chinoise. On ne sait jamais…

Coordonnées de Xavier Thomen :
http://www.xavierthomen.com
Courriel : thomen.xavier@gmail.com

Artothèque-galerie 379, 379 avenue de la libération, Nancy.
Tel : 06 87 60 82 94
http://asso379.wixsite.com/artcontemporain

**Xavier Thomen – *Monts et Eaux (Shanshui*)**, acrylique /collages (5), 30×30 cm.
ci-dessus : sculpure acier et bois, 70×200 cm.
ci-dessous en galerie (cliquer) : *Acrylique /collages* (6 à 11), 30×30 cm.

*Vue de l’exposition Focus Xavier Thomen,* galerie 379, Nancy
Toutes photos de cet article ©Xavier Thomen

Portraits vains

**Jean-Charles Taillandier,** portrait vain 1
encre sur papiers, pigments et collage, 30 x 30 cm.

“Quant aux gens qui y chercheraient autre chose, je les avertis qu’ils chercheront en vain“…
Alfred Franklin

La plupart des articles de ce blog consacré à ma démarche de dessinateur et de graveur consacre l’idée que la représentation d’un visage repose sur une illusion de vérité. Elle se fonde sur une approche du portrait que je questionne en référence à des œuvres peintes ou gravées des collections muséales, ou, dans une approche plus intime, à des portraits d’archives photographiques appartenant à mon environnement familial.

Dans tout les cas, la distance qu’impose ce passé des images avec mon propre vécu me confronte à des visages de personnes inconnues ou anonymes. Leurs traits qui étaient initialement les traits de leur identité propre et de l’emprise du vivant appartiennent désormais à un monde absent de mon propre univers ou de ma mémoire, car je suis étranger à leur histoire. Leurs traits et la perception directe que je pourrais en avoir sont dissous à mon propre regard.

Mon dessin qui souhaite aller à leur rencontre accédera à une autre réalité, et ces visages, victimes d’une perte d’identité irrémédiable, ne seront plus eux-mêmes. Ils seront l’objet d’un simple exercice de dessin doté d’un répertoire de signes universels et abstraits. Dans cette entreprise vaine de repossession d’un visage, la problématique de la ressemblance n’a aucune importance puisque je suis confronté à la représentation initiale de parfaits inconnus. Le seul point d’ancrage qui pourrait faire le lien avec le portait originel et le singulariser, est le regard du modèle. Dans le visage, l’œil est la balise et le repère. Il reste le centre de gravité d’une présence, grand-ouvert sur sa propre réalité; et même si les paupières restent closes, comme si le personnage était lui-même déjà étranger à son propre monde. Mais qu’en sait-on au juste ?

**Jean-Charles Taillandier,** portrait vain 2
encre sur papiers, pigments et collage, 30 x 30 cm.

Au bout du compte, la pratique du dessin, instrument d’une perpétuelle approche d’un visage idéal, sans cesse se dérobe. Cette problématique de la représentation et de l’énigme du visage humain interroge depuis la naissance de l’art des générations de peintres, mais aussi photographes, cinéastes…

Mais, paradoxalement, ce questionnement perpétuel vivifie le dessin et nourrit sa persistance à renaître de son imperfection même. J’ai rassemblé ici plusieurs tentatives de portraits, qu’ils soient autonomes ou rattachés à l’élaboration de séries autonomes antérieures (voir articles Portraits en Renaissance, le geste et la trace, ou Visages de papier).

J’ai accordé dans ces travaux graphiques une grande importance au support papier. La structure du visage de référence n’est rassemblée et suggérée qu’en quelques traits fugaces à l’encre de Chine sur un léger papier oriental translucide. Elle est comme “captée“ en un geste rapide du pinceau sur cette fine épaisseur de peau de papier, qui, sera, elle-même par la suite, superposée à d’autres épaisseurs sous-jacentes travaillées par pigments ou collage. À la fugitive présence initiale s’agglutinent et se superposent d’autres strates graphiques qui viennent à la rescousse d’un portrait toujours vain.

La figure ne saurait vainement s’imposer à ma conscience et à la surface du dessin. Elle se contente d’agglutiner des parcelles de mémoire et de réminiscences. Elle ne peut suggérer à mon regard contemporain qu’une identité subjective et intemporelle.

**Jean-Charles Taillandier,** portrait vain 3
Ci-dessous en galerie : portraits vains de 4 à 17.
encre sur papiers, pigments et collage, 30 x 30 cm (années 2014-2018).

Michel Kanter, l’art en questions

***Michel Kanter***, avec… Picasso, poudre de fer et crayon sur papier, 20×20 cm (2013).

Lorsque la Galerie Artothèque 379 propose le concept des Carrés 379 au peintre et sculpteur Michel Kanter, c’est avec enthousiasme qu’il donne suite et s’engage dans cette aventure éditoriale collective. Il y répond donc en transmettant quinze exemplaires originaux de format 20 x 20 cm conformes au « cahier des charges » du projet, plus précisément quinze travaux d’atelier sur papier traduisant les préoccupations formelles de l’artiste sur la période des années 2013 à 2020.
Les liens entre Michel Kanter et la galerie sont de longue date. De famille d’origine lorraine, il suivra de 1957 à 1961 les cours de l’École des Arts Appliqués de Metz puis l’École des Beaux-arts de Nancy, avant de poursuivre une carrière dans l’effervescence des milieux artistiques de Paris. Il part aux États Unis en 1980 où il enseignera à la City University of New York. Il partagera désormais sa vie entre New-York et le sud de la France à Fraisse-des-Corbières.
Son œuvre de peintre et de sculpteur porte dans ses tréfonds cet héritage spirituel de deux cultures, arc-bouté entre la vie urbaine, antre de la modernité, et la vieille Europe, creuset de tant d’expériences et fulgurances artistiques dans l’histoire de l’art occidental : de quoi nourrir une œuvre intense de réflexion sur la matière et les matériaux utilisés, l’image et son support. C’est une réflexion à la fois intime et collective, pétrie de ses élans et de ses antagonismes… Passé, présent et avenir de l’art nourrissent une réflexion formelle au cœur de ce vaste mystère de la représentation, où prédominent le questionnement des Anciens, les voies ouvertes par l’empreinte, la déchirure.
Je n’ai pas eu le bonheur de visiter l’exposition rétrospective des travaux de Michel Kanter depuis les années 60, qui eut lieu à la Villa Tamaris centre d’art de la Seyne-sur-Mer en décembre 2016 (*), mais mon souvenir est vivace de sa rencontre et de l’exposition que j’ai partagée avec lui sur les cimaises de la Galerie 379 de Nancy (**) où, par le biais du dessin, des techniques de reproduction et de collages, il interrogeait, dans sa série Timbres et nativité, l’imagerie chrétienne et la thématique de la Nativité dans la peinture des grandes maîtres anciens.

***Michel Kanter***, U.S stamps, 2 photocopies couleur, chacune 16×11 cm (2004)

Issues de la même période, c’est ce même cheminement de pensée que questionnent les œuvres sur papier sélectionnées pour les Carrés 379. L’empreinte mémorielle de Picasso, Manet, Matisse ou Hopper habite le périmètre du carré de papier. L’image icône est dépouillée jusqu’à l’épure de la forme et le dessin nous en révèle une trace résiduelle. Est-ce de la part de Michel Kanter une intention de traduire par ce dénuement formel une désacralisation de l’œuvre en référence, désormais rappelée à notre souvenir par quelques traits ? Désacralisation de l’art et désacralisation de l’œuvre qui ne subsistera que par son empreinte ? Témoignage d’un geste créateur ancien dont l’artiste contemporain, dans une mémoire collective, se porte garant ? Faut-il y déceler un malaise du regard contemporain dans cette dénaturation de l’œuvre. Parfois elle rassemble des éléments épars par collage et recomposition ou bien souligne tel fragment formel d’un trait de pinceau brun à la poudre de fer ? Le motif est comme usé, altéré sous la décomposition chimique du trait et sous la tyrannie du temps. Il est désormais vestige d’une pensée créatrice d’un temps ancien dont la matière, sous la main de l’artiste, s’évertue à garder témoignage et trace ?
Mais peut être est-ce là de ma part une interprétation trop « romantique » du geste artistique de Michel Kanter. Le langage de l’art est affaire intime de questionnement perpétuel et de remise en cause, dans l’intimité d’une pensée créatrice qui se cherche. Elle travaille dans le temps long et dans un esprit de renouveau. Michel Kanter nous y invite.

de G. à D. : ***Michel Kanter***, avec… Rodin / Hopper 2-3-4/ Manet 1-2 / Picasso 2-3-4 / Cézanne 1-2 / Matisse.
Techniques mixtes sur papier (crayons, pierre noire, poudre de fer, collages, transfert), 20×20 cm (2013 à 2020).

Dans le cadre restreint des Carrés 379, c’est une part très intime de son univers qu’il nous offre, depuis toujours ouvert aux énigmes de la représentation et des empreintes du temps. Ces 15 dessins m’ont permis de le découvrir un peu plus; mais par le petit bout de la lorgnette, loin de l’ambition affichée de sa rétrospective à la Villa Tamaris en 2016, citée plus haut. Celle-ci présentait son œuvre dans sa dimension de peintre, mais aussi, essentielle, de sculpteur.
À la fois archéologie aux sources de l’art et très ancrée dans sa modernité, son œuvre mériterait une grande exposition en Lorraine qui l’a vu grandir…

(*) Michel Kanter, Sur le mur / On the wall, Villa Tamaris centre d’art, «3 décembre 2016 au 29 janvier 2017 , textes de Robert Bonaccorci et Cassandra Neyenesch .
(**) Michel Kanter, U.S stamps / Jean-Charles Taillandier, Portraits revisités, Galerie 379 Nancy, janvier 2009.

379 Galerie artothèque, 379 avenue de la Libération, 54.000 Nancy
Pour toute information sur l’actualité de la Galerie artothèque et des Carrés 379, une collection :
https://asso379.wixsite.com/artcontemporain
https://www.facebook.com/379-Galerie-Artotheque-134517727159014/

Peintures bavardes de Martine Ziegler Challoit

**Martine Ziegler Challoit**, tryptique, acrylique sur toile, 30×30 cm (2020).
Cliquer sur l’image pour l’agrandir.

**Martine Ziegler Challoit**, tryptique, acrylique sur toile, écriture, collages, 30×30 cm (2000).
ci-dessous : peintures préparatoires, 10×10 cm (2000)

Peintures bavardes est le titre choisi par Martine Ziegler Challoit à son exposition de peintures présentée à la Galerie-artothèque 379 de Nancy jusqu’au 30 décembre 2020. Si, certes, le bavardage est une façon de s’exprimer par rapport au monde, il n’est pas à prendre ici au sens d’un flot d’éloquence parfois stérile et vain, mais plutôt dans l’art d’un dévoilement pudique, d’une mise à nu d’un secret qui relève de l’intime. C’est l’art noble de la peinture de s’immiscer dans un univers qui se dévoile à nous, et qui se révèle d’autant plus si le peintre nous procure quelques clefs d’entrée.

Les signes, graphes et motifs de sa peinture appartiennent à son histoire et sa mythologie personnelle, dont la première série présentée ici remonte à plus de 20 ans. Elle travaillait alors sur le thème des grandes inventions et avait choisie la roue. Clin d’œil aussi à la Roue de bicyclette, premier ready-made de Marcel Duchamp, pour qui voir la roue tourner était très apaisant et ouverture sur autre chose que la vie quotidienne : “J’ai probablement accepté avec joie le mouvement de la roue comme antidote au mouvement habituel de l’individu autour de l’objet contemplé“. (1)

Ses trois toiles plus anciennes, datées de l’année 2000, et qu’accompagnent de petites esquisses, traduisent ces petites habitudes des humains : “La première fois que nous passons à un endroit précis, nous y consacrons beaucoup d’attention car c’est la phase de découverte. Si ce moment était une couleur, ce serait un ocre très clair proche du blanc : la couleur de la première peinture de ce tryptique. Puis, plus nous passons à cet endroit, moins nous lui accordons d’importance. La deuxième toile raconte cette histoire : l’encre noire des mots trace un chemin de plus en plus sombre au milieu de la toile, ne laissant que de rares éclaircies sur les côtés. La troisième toile est presque entièrement recouverte de ce noir avec toutefois en son milieu, une trace de cet ocre presque blanc, laiteux et chaleureux qui nous signifie la possibilité d’un retour à une réalité empirique, certes, mais en toute objectivité.“

**Martine Ziegler Challoit**, diptyque, acrylique sur toile, collages, 20×20 / 40×40 cm (2020).

L’ambivalence entre nos aspirations et le sens des réalités fut parfois rude pour nous tous à l’annonce de la mise en place du premier confinement dès le 13 mars 2020, pour une durée indéterminée. La crise sanitaire du covid 19 qui s’incrusta pour de longs mois dans la vie de chacun marquera sans doute de son empreinte l’expression artistique, en particulier des arts plastiques.
L’artiste, qui sonde les profondeurs de la connaissance de soi, les révèle au jour pour les apprivoiser, ou encore les exacerber. Question de nature ou de force de résilience. À chacun sa méthode, à chacun sa thérapie…. La création artistique trouva sans doute chez Martine Ziegler Challoit une vertu propice à exprimer un cri libérateur, à repousser plus loin ses propres murs. La soupape lâche et la couleur éclate sur la toile, gicle, violente et propulsée par des gestes rapides et convulsifs. Quitte à recourir, précise-t-elle au procédé quasi chamanique ou magique de réalisation de gris-gris de protection avec des chiffons d’atelier et du bois flotté…

Son univers plastique s’ancre à ce qui se dit et se crie dans la rue, très sensible à l’expression spontanée des graffitis sur les murs. Sur la toile de plus en plus apaisée, ils se bousculent, mêlés aux graphes et autres symboles tels des signaux mémoriels d’un environnement urbain ou d’une enfance vécue dans la campagne avec pré et garennes où sautaient les lièvres, croix du calvaire de son village natal, corne à eau, fil à plomb et pierre à affuter la faux du grand-père, passoire et faisselle où s’égouttait lentement le lait caillé. Sans oublier , omniprésent le cercle et la roue symbolique d’un éternel retour.

(1) Extrait de Roue de bicyclette, épitexte, texte et intertextes, André Gervais, Les Cahiers du Musée national d’art moderne

**Martine Ziegler Challoit**, quatuor, acrylique sur toile, 30×30 cm (2020).

Galerie : Martine Ziegler Challoit, sélection de 9 acryliques sur toile, 30×30 cm (2020).
Cliquer sur l’image

Peintures bavardes de Martine Ziegler Challoit sur le grand mur des Focus
Artothèque-galerie 379, 379 avenue de la libération, Nancy. Visible pendant le week-end artothèque des 19 et 20 décembre, les lundis et tous les jours sur rendez-vous jusqu’au 30 décembre 2020. Ouverture dans le respect strict des règles sanitaires en vigueur.
Tel : 06 87 60 82 94 / 06 04 45 99 35.
379 est membre de LoRA et de la FRAAP.

Coordonnées de l’artiste : martine.ziegler.challoit@gmail.com

Visages de papier

Qu’il soit l’œuvre d’un génie ou d’un peintre demeuré inconnu, le visage anonyme m’émeut parce qu’à son mystère s’ajoute un questionnement : celui de cet instant créateur qui l’a vu naître et l’a préservé d’un oubli irréductible.N’écrit-on pas que le portrait aurait un aspect tragique parce qu’il porte la trace de ce qui n’est plus ? (*). La peinture, la photographie nous portent témoignage d’un regard figé puisqu’il n’existe plus à l’instant où on le découvre.

La grande affluence du public à l’exposition Vermeer au Louvre trouvait sans doute sa motivation principale dans la beauté de ces chefs-d’œuvre de la peinture rarement exposés, mais aussi parce qu’une brèche s’ouvrait dans l’espace-temps, offrant à nos yeux écarquillés le spectacle intimiste d’un bonheur domestique dans le volume feutré des intérieurs du lointain dix-septième siècle hollandais. Et par-delà les contingences du décor et de l’apparence vestimentaire, c’est l’évidence intime d’une proximité avec ces hommes et ces femmes qui s’exprime, parce qu’ils nous ressemblent. C’est la grande force et beauté de la peinture de Vermeer d’aborder au plus proche ce dénuement de l’être en composant ses scènes de genre, dans un silence ouaté à l’écart du pittoresque. Je cite Vermeer parce que sa peinture concentre en un geste pictural tout ce qui me touche : à l’encontre de toute grandiloquence, elle place l’anonymat de la figure humaine au centre du tableau. Sans le peintre, pas de temps suspendu dans le regard de cette femme anonyme, debout devant un virginal, ou de cette autre jeune fille à la perle qui nous interroge encore et toujours de ses yeux sombres.

*Jean-Charles Taillandier,* **Visages de papier 8**
*encres sur papiers Japon marouflés, 50 x 50 cm.*

J’avais fait l’expérience de cette étrange proximité quand en 2010, le musée du château de Lunéville m’avait permis d’aborder par le dessin cette thématique des portraits anonymes conservés dans ses réserves. Ils étaient issus pour la plupart du lointain dix-huitième siècle de la cour de Lorraine : petit enfant de lignée aristocratique, courtisan, simple dame de compagnie de duchesse, ou épouse de peintre inconnu élevée au rang de modèle… Ils renaissaient au temps suspendu d’une exhumation de leurs obscurs rayonnages. Heureux rescapés aussi d’un violent incendie qui, quelques mois plus tôt, avait ravagé une aile du château abritant ses collections. Mais à quoi renaissaient-ils vraiment, sinon à l’effort de mon imaginaire qui interrogeait leur présence au réel par delà les oripeaux de leur temps ?

De retour à l’atelier avec quelques clichés d’œuvres sélectionnées, mon pinceau, accroché au magnétisme de leur regard, s’était donné pour tâche de rendre texture à un visage que le temps et l’oubli avaient vidé de leur substrat. Quel visage ? Et celui de qui ? C’est mon imaginaire qui prenait le relais dans l’effort de retenir un tracé fugace d’une mémoire et de donner consistance, par ma propre subjectivité, à un nouveau visage, dans une géographie nouvelle de plis, de rides et de textures. Je m’aventurais à cette exploration de formes en autant d’esquisses ou dérives graphiques saisies à l’encre sur des feuilles de papier Japon très légères et translucides, qu’au besoin je superposais, telles des strates de mémoire. Je comprenais alors que je partais d’un lointain passé qui me faisait signe avant d’habiter la feuille de papier d’un présent inédit et multiple.

Si j’aborde à nouveau maintenant cette expérience plastique (déjà évoquée dans l’article Anonymes regards croisés), c’est parce que j’avais senti le besoin d’une approche renouvelée de ces dessins. J’aborde par séries gravures ou dessins, réutilisant au besoin des travaux anciens pour de nouvelles mises en perspective…
J’ai réexaminé ces dessins de l’exposition 2010 du château de Lunéville. Ils étaient conservés à l’atelier, et je les ai redécouverts, comment dire, avec un œil neuf. L’approbation de leur naissance n’était plus immédiate, ou tout du moins, n’était plus entière. Je fus tenté de remettre en question leur agencement sur un périmètre plus large du dessin, et de trouver une nouvelle corrélation entre toutes les strates de papier superposées qui composaient chaque dessin pour lui donner son unité.
Dans ce travail de stratification de l’image, le choix du papier est essentiel. Sa finesse et sa fragilité induisent une hypersensibilité à l’encre dans ses fibres, et permettent l’exploitation d’une lecture autant sur l’endroit que l’envers de la feuille. Chacun de ces dessins de 2010, constitué de deux, voire trois feuilles superposées, a été démantelé pour aboutir ainsi à étaler sur table autant de fragments de mémoire à agencer selon le nouvel imaginaire du moment. La surprise et l’accidentel sont inhérents à cette démarche plastique mais il est toujours question néanmoins de figure humaine, au sens où, comme en songe, tel visage apparaît subrepticement, ou bien dans une clairvoyance pleine et entière. Je compare, j’agence les fragments, je n’interprète pas. Je scrute les réverbérations de ton, les alliances formelles… Je suis absorbé par ce processus au cours duquel la composante de l’un des portraits initiaux peut ainsi enrichir la cohérence du dessin d’à côté. Je suis simplement animé de moi-même, maniant malgré moi ce masque, cette persona qui me façonne au moment où je dessine, sans présager ce que sera le dessin à renaître.
De cette façon a été composée cette suite de dessins regroupés sous le titre « Portraits de papier » présentés dans cet article.

(*) Persona, du portrait en peinture, Pierre Sorlin, Presses universitaires de Vincennes, année 2000, page 125.