un coffret d’estampes : Varie Figvre

Dans le déroulé de mes articles, ce blog a rarement présenté mes coffrets d’estampes ou livres d’artistes à édition limitée, qu’il aient été réalisés de mon initiative individuelle, ou par suite d’une collaboration avec des amis artistes. Une exception cependant : le coffret d’estampes Entre Nuit et Aube, qu’une prochaine aventure collective d’artistes de Nancy me permettra de réexposer cet été. (voir affiche Exposition SAUVAGE[S] – galerie Neuf, Nancy, du 25 août au 18 septembre 2022). J’en reparlerai bientôt…

Cette fois, je me propose de présenter un autre coffret d’estampes créé en 1992, à l’occasion du quadricentenaire de la naissance de Jacques Callot, célébrée à Nancy, sa ville de naissance (et aussi de décès). Une grande exposition y fut consacrée dans le vaste espace de la salle Poirel de Nancy.
La suite Varie Figvre, gravée à l’eau-forte sur cuivre est constituée de neuf portraits en pied différents , dont cinq furent réunis en un coffret de couleur grenat. Un état préparatoire des compositions était joint aux premiers exemplaires. Mon propos était de représenter des « figures variées », gentilhommes et mendiants, inspirées de l’univers de Jacques Callot. Chaque personnage n’est pas né d’un dessin préconçu sur page blanche, mais s’est constitué à partir du désordre informel d’un premier état de morsure, à partir duquel, d’état en état, s’est révélé un personnage structuré au trait de fusain ou de pastel, avec au besoin des rajouts de collage. Je présente ci-dessous deux exemples de ces premiers états (cliquer sur l’image).

Même si mon intention n’a pas été de présenter cette suite ancienne à l’exposition parisienne Hommage à Callot à laquelle m’invitaient la Fondation Taylor et l’association Pointe et burin en avril – mai dernier, le contexte de réalisation de la suite Varie Figvre me revint en mémoire. J’y retrouvais mes proximités de cœur et d’esprit avec Jacques Callot que ne manque pas de partager tout graveur lorrain contemporain, mais aussi mes interrogations sur un langage plastique inévitablement autre… Ce qui n’exclut pas des vérités et questionnements qu’explore l’image, quelque soit leur cadre d’hier ou d’aujourd’hui.
Ces réflexions étaient portées par un très beau texte écrit par Germain Roesz, un ami peintre et poète, dans le cadre d’un catalogue d’exposition consacré à cette suite gravée Varie Figvre.
Je vous le présente ci-dessous et en remercie encore son auteur.

Jean-Charles Taillandier – Varie Figvre II, gravure / état préparatoire sur papier
gravure 13 x 24,6 cm sur Arches crème 32 x 49,5 cm. Année 1992.
ci-dessous : Varie Figvre III

Le temps ne sait figer le cours du fleuve.
Ce regard que je porte sur les anges de la rue – qui ne sont pas des anges – qui savent mieux l’ombre du ruisseau, et l’attente boueuse, et la faim tenace et le froid qui assaille…, ce regard que je porte – passant sauvage – interroge le monde où d’aucuns ne vivent pas.

Les mendiants ont tous les âges. Les mendiants s’effritent aux murs lépreux et naissent dans le grincement du cuivre. Les entailles, les creusements, les éclats sont comme le versant trop humain des douleurs trop inhumaines.

Les mendiants de Jean-Charles Taillandier n’ont pas la vêture d’aujourd’hui ; ils ont la nudité de l’origine comme une dignité à réinventer.
Ils ont souvent le regard clos d’un azur supplicié et esquissent les gestes d’une danse avortée. Ils ont les mains trop grandes, et nouées, et des jambes absentes pour mieux crier le repliement.

Leur cécité croise notre oubli.

Reste cette lumière qui, de Bruegel à Rembrandt, de Callot à Rouault, oblige à considérer que l’art nous rapproche de l’inacceptable.
Inacceptable mise en lumière où les êtres abandonnés de tous nous tirent la révérence en des chapeaux trop grands et des turbans grotesques.
Inacceptable mise en lumière où les mendiants se parent de la réalité du monde – déclinaison variée des figures où chaque parcelle de rencontre croît notre conscience.

À ces hommes affaiblis il faut un bâton pour marcher,

Aux hommes des certitudes il faut un bâton pour déciller,

Aux hommes qui ne veulent oublier il faut un burin.

Germain Roesz

(texte extrait du catalogue d’exposition Varie Figvre, Centre culturel, Illkirch-Graffenstaden, 1993.)


Jean-Charles Taillandier – Varie Figvre IV, gravure / état préparatoire sur papier
ci-dessous : Varie Figvre I et V
format gravures 13 x 24,6 cm sur Arches crème 32 x 49,5 cm. Année 1992.
Coffret Varie Figvre – format ouvert : 73 x 52,5 cm
Pour tout renseignement complémentaire : me contacter

Xavier Thomen, retour de Chine

Xavier Thomen – Monts et Eaux (Shanshui)
Acrylique /collages (1), 50×50 cm.

On imagine d’immenses cieux délavés sur des étendues de terre ocre, de vastes horizons de prairies, des réseaux de rivières dans des vallées profondes, et des cimes enneigées. Et puis des bandes de couleur qui s’interfèrent dans ce paysage, qui flottent comme portées par le vent. Et on se dit que les peintures/collages de Xavier Thomen ont à révéler beaucoup plus que ce qu’elles dévoilent à notre œil intrigué. Que nous sommes dans le territoire vrai de la peinture, quand la peinture s’aventure au-delà d’un simple compte-rendu visuel des paysages  Elle est la symbiose d’un réel et d’un imaginaire, révélatrice de la complexité d’une histoire que le peintre entretient avec le monde et son histoire intime.

Cette exposition Monts et Eaux (Shanshui) de Xavier Thomen a été présentée en Focus à la Galerie Artothèque 379 de Nancy, du 1er novembre au 19 décembre 2021. Elle s’inspire d’un voyage d’études de l’artiste en Chine, arpentée en 2014, puis en 2017, de Shanghai à Pékin, de la Cité Interdite à la Grande Muraille et de l’une des routes de la Soie jusqu’aux portes du Tibet. Dès son premier voyage, l’artiste s’imprègne de cet univers immense et de symboles partout présents, notamment le cercle et le carré qui régissent l’architecture des maisons. Tout au long de ces routes millénaires empruntées sans doute par Lao-tzu et ses disciples, croisant les hordes du grand Khan et les caravanes d’Arabie, il s’imprègne de ce monde nouveau. La Montagne de l’âme de Gao Xingjian qu’il a lu avant son voyage accompagne chacun de ses pas. Il en connait les récits mythiques et les encres, qui donnent à ce périple une dimension hors du temps.

Xavier Thomen – Monts et Eaux (Shanshui)
Acrylique /collages (2-3-4), 50×50 cm.

Et puis, faut-il préciser de l’aveu même de l’artiste, une double connivence, intime et profonde le lie à la Chine. Elle a pour origine son vécu personnel et son rapport domestique aux malheurs des inondations. Xavier Thomen est originaire de la région parisienne, et son destin familial l’a installé dans une maison-atelier située dans une commune rurale du nord de la Meurthe-et-Moselle, en bord de rivière. Il a été victime de plusieurs crues destructrices, notamment en 1993 et 1994, causant de profonds dégâts à son logis et à beaucoup de ses travaux de création. Il travailla à sauvegarder ce qu’il put de ses œuvres antérieures, et au cours de la remise en état de son mobilier, il découvre dans une malle des documents d’archives familiales, parmi lesquels cartes postales, relevés topographiques de territoires et fragments de papiers peints anciens, le tout provenant de Chine : toutes reliques conservées d’un ancêtre qui avait été ingénieur installateur de télégraphes, missionné sur place pendant les années de colonisation européenne précédant la proclamation de la République de Chine. La Chine a une tradition multiséculaire de lutte contre le fléau des inondations. Dès ses premiers âges et les exploits héroïques du Grand Yu, combattant du Déluge et des inondations, elle était vaste terre de combats mythiques contre les génies malfaisants qui infestent ses eaux . La spiritualité chinoise est nourrie de cette interférence entre la terre, les eaux, la nature entière et l’humain. Qui sait si une telle connivence consciente ou inconsciente ne motivait pas son appel au voyage vers ce pays lointain ? Et le voici, dans sa propre maison, découvreur de cartes géographiques centenaires et d’anciens papiers peints chinois abimés par les eaux débordantes de l’Orne au seuil de sa porte !

À défaut d’un geste du destin, comment ne pas voir dans ces circonstances personnelles, au retour de ces voyages, un appel à l’imaginaire du peintre et du sculpteur dans le laboratoire de l’atelier. L’imaginaire se nourrit de telles opportunités; pour faire germer des réminiscences de mémoire avec les rescousses de l’acrylique, de parcelles de papiers, ou autres fragments d’acier et de bois… Sans doute fruit d’une lente maturation pour traduire en couleurs et formes les vastes étendues ocres de terre et les filets verts qui les protègent de l’érosion et des tempêtes. Ou bien les reflets d’or entrevus dans un monastère taoiste et bouddiste, les terres cuites de l’armée fantôme de Xi’an ou les drapeaux de prière multicolores bercés par le vent aux portes du Tibet. Tout était désormais disponible pour le travail d’atelier : les milliers de photos rapportées des voyages, les souvenirs et impressions enfouies, les richesses humaines des rencontres, et les fragments de papier retrouvés dans la malle.

L’exposition Focus Monts et Eaux (Shanshui) de Xavier Thomen présentait à la Galerie Artothèque 379 de Nancy différentes œuvres de cette série : des formats carrés sur papier 20×20 cm intégrés dans la collection des Carré 379, des acryliques sur toile avec collage de format 30×30 à 50×50 cm. Sans oublier plusieurs sculptures en acier et bois, suspendues en l’air en pendule, loin du sol, inattaquables donc et à l’abri de Gonggong, le génie des eaux malfaisant de la mythologie chinoise. On ne sait jamais…

Xavier Thomen – Monts et Eaux (Shanshui), acrylique /collages (5), 30×30 cm.
ci-dessus : sculpure acier et bois, 70×200 cm.
ci-dessous en galerie (cliquer) : Acrylique /collages (6 à 11), 30×30 cm.

Vue de l’exposition Focus Xavier Thomen, galerie 379, Nancy
Toutes photos de cet article ©Xavier Thomen

Roland Grünberg, graveur et illustrateur

Roland Grünberg, Aux ouvertures de l’automne,
aquarelle et encre ,8 x 13 cm (1964)


Roland Grünberg, berceuse de la terre-mère, lithographie, 66 x 79 cm (1981)

L’homme de cendre et de lumière : ce fut un beau titre au fronton de l’exposition que consacra le Conseil Départemental de Meurthe-et-Moselle en 2018 au graveur et illustrateur Roland Grünberg, qui vient de s’éteindre à l’âge de 88 ans.
Artiste, homme aux talents multiples et au cœur de maints évènements culturels pendant plus de quatre décennies, il marquera de son empreinte Nancy qui fut sa ville d’attache, au gré de ses implications créatrices dans la cité ducale. La presse s’en est fait l’écho : aux côtés de Jack Lang dès 1963 lors du festival mondial de théâtre, dans l’effervescence du festival Nancy Jazz Pulsations en 1973 et années suivantes, et dès 1981, année fondatrice de la Biennale Internationale de l’Image de Nancy.
Cette exposition de 2018 fut un point d’orgue dans la rétrospective de sa carrière polymorphe, et la sélection de 150 œuvres parmi sa profusion créatrice de dessins, gravures affiches, photographies et décors ne fut pas aisée. Elle s’attacha bien sûr à décrire son implication pleine et entière à l’édition inaugurale du festival Nancy Jazz Pulsations, lui qui était homme d’images et passionné de jazz. Il fut le créateur de l’affiche, co-auteur du journal du festival, et même concepteur de chars de parade faits de grillage et papiers mâchés, qui défilèrent dans les rues de Nancy.

Ci-dessus : Portrait de Roland Grünberg, (Bibliothèques Universitaires de Lorraine – 2017)
Roland Grünberg, Projet de char pour la street-parade du Festival NJP 73,
crayon de couleur et stylo sur papier, acquisition Bibliothèques de Nancy.
Roland Grünberg, Portrait de Louis Armstrong, dessin encre sur papier,
acquisition Bibliothèques de Nancy.
Roland Grünberg, Comme un loup parmi les chiens, sérigraphie, 38 x 27,5 cm (2004)

L’exposition retraça le parcours humaniste de Roland Grünberg, né en 1933 à Strasbourg d’une famille juive originaire de Pologne qui dut se cacher pendant la guerre pour fuir les persécutions nazies. Grand voyageur, autodidacte et homme de cultures multiples, il suivit à Nancy le cursus de nombreux enseignements universitaires (lettres, sciences, sciences humaines et médecine, entre autres). Il intégra l’Ecole Nationale des Beaux-Arts de Nancy de 1957 à 1959, se consacra à l’enseignement avant d’exercer pleinement son art de graveur et d’illustrateur dont de nombreux musées gardent témoignage. Tout un savoir qu’il transmettait aussi par la voie des réseaux associatifs et congrès scientifiques. Réalisateur de décors et costumes, il était très impliqué dans le renouveau théâtral de Pologne des années 60 autour d’Adam Mickiewicz, dont il était l’ami. Nourri dès l’enfance de la culture juive et des folklores d’Europe centrale, il aimait en représenter ses penseurs et musiciens.

J’ai eu le plaisir de partager avec lui plusieurs expositions et travaux. Je garderai en mémoire l’accueil qu’il me réservait toujours dans son appartement-atelier du centre-ville. Une fois la porte d’entrée franchie, il convenait de suivre le sentier dégagé au sol entre un nombre infini de livres, feuillets, gravures et dessins, objets divers, marionnettes dont il était collectionneur avant de le rejoindre à sa table de travail, avec PC, double-écran… Et commençait le récit insatiable et passionnant de ses projets, et réflexions sur le monde.

Un monde personnel qu’il traduisait de son trait délié si caractéristique, nourri d’érudition, de symbolisme, de musique et de poésie, et de fantastique aussi qu’il enrichissait au prisme du monde animal et végétal. . Si proche en son essence de ces quelques mots reçus de Jean Cocteau depuis Marbella, dans une lettre datée de 1961, qu’il gardait précieusement : « Notre rôle consiste à consommer les noces du conscient et de l’inconscience d’où naissent les monstres délicieux de la poésie… »

Lui rendre hommage aujourd’hui, c’est accompagner ce texte de certaines gravures qu’il m’avait confiées, ou d’autres puisées sur le site Epitomé, qui présente un fin regard porté par l’équipe de la Bibliothèque Municipale de Nancy sur les œuvres de l’artiste acquises par la ville, enrichi d’un interview de l’artiste (*).

(*) epitome.hypotheses.org/author/amallick

Michel Kanter, l’art en questions

Michel Kanter, avec… Picasso, poudre de fer et crayon sur papier, 20×20 cm (2013).

Lorsque la Galerie Artothèque 379 propose le concept des Carrés 379 au peintre et sculpteur Michel Kanter, c’est avec enthousiasme qu’il donne suite et s’engage dans cette aventure éditoriale collective. Il y répond donc en transmettant quinze exemplaires originaux de format 20 x 20 cm conformes au « cahier des charges » du projet, plus précisément quinze travaux d’atelier sur papier traduisant les préoccupations formelles de l’artiste sur la période des années 2013 à 2020.
 Les liens entre Michel Kanter et la galerie sont de longue date. De famille d’origine lorraine, il suivra de 1957 à 1961 les cours de l’École des Arts Appliqués de Metz puis l’École des Beaux-arts de Nancy, avant de poursuivre une carrière dans l’effervescence des milieux artistiques de Paris. Il part aux États Unis en 1980 où il enseignera à la City University of New York. Il partagera désormais sa vie entre New-York  et le sud de la France à  Fraisse-des-Corbières.
Son œuvre de peintre et de sculpteur porte dans ses tréfonds cet héritage spirituel de deux cultures, arc-bouté entre la vie urbaine, antre de la modernité, et la vieille Europe, creuset de tant d’expériences et fulgurances artistiques dans l’histoire de l’art occidental : de quoi nourrir une œuvre intense de réflexion sur la matière et les matériaux utilisés, l’image et son support. C’est une réflexion à la fois intime et collective, pétrie de ses élans et de ses antagonismes… Passé, présent et avenir de l’art nourrissent une réflexion formelle au cœur de ce vaste mystère de la représentation, où prédominent le questionnement des Anciens, les voies ouvertes par l’empreinte, la déchirure.
Je n’ai pas eu le bonheur de visiter l’exposition rétrospective des travaux de Michel Kanter depuis les années 60, qui eut lieu à la Villa Tamaris centre d’art de la Seyne-sur-Mer en décembre 2016 (*), mais mon souvenir est vivace de sa rencontre et de l’exposition que j’ai partagée avec lui sur les cimaises de la Galerie 379 de Nancy (**) où, par le biais du dessin, des techniques de reproduction et de collages, il interrogeait, dans sa série Timbres et nativité, l’imagerie chrétienne et la thématique de la Nativité dans la peinture des grandes maîtres  anciens.

Michel Kanter, U.S stamps, 2 photocopies couleur, chacune 16×11 cm (2004)

Issues de la même période, c’est ce même cheminement de pensée que questionnent les œuvres sur papier sélectionnées pour les Carrés 379. L’empreinte mémorielle de Picasso, Manet, Matisse ou Hopper habite le périmètre du carré de papier. L’image icône est dépouillée jusqu’à l’épure de la forme et le dessin nous en révèle une trace résiduelle. Est-ce de la part de Michel Kanter une intention de traduire par ce dénuement formel une désacralisation de l’œuvre en référence, désormais rappelée à notre souvenir par quelques traits ? Désacralisation de l’art et désacralisation de l’œuvre qui ne subsistera que par son empreinte ? Témoignage d’un geste créateur ancien dont l’artiste contemporain, dans une mémoire collective, se porte garant  ? Faut-il y déceler un malaise du regard contemporain dans cette dénaturation de l’œuvre. Parfois elle rassemble des éléments épars par collage et recomposition ou bien souligne tel fragment formel d’un trait de pinceau brun à la poudre de fer ? Le motif est comme usé, altéré sous la décomposition chimique du trait et sous la tyrannie du temps. Il est désormais vestige d’une pensée créatrice d’un temps ancien dont la matière, sous la main de l’artiste, s’évertue à garder témoignage et trace ?
Mais peut être est-ce là de ma part une interprétation trop « romantique » du geste artistique de Michel Kanter. Le langage de l’art est affaire intime de questionnement perpétuel et de remise en cause, dans l’intimité d’une pensée créatrice qui se cherche. Elle travaille dans le temps long et dans un esprit de renouveau. Michel Kanter nous y invite.

Dans le cadre restreint des Carrés 379, c’est une part très intime de son univers qu’il nous offre, depuis toujours ouvert aux énigmes de la représentation et des empreintes du temps. Ces 15 dessins m’ont permis de le découvrir un peu plus; mais par le petit bout de la lorgnette, loin de l’ambition affichée de sa rétrospective à la Villa Tamaris en 2016, citée plus haut. Celle-ci présentait son œuvre dans sa dimension de peintre, mais aussi, essentielle, de sculpteur.
À la fois archéologie aux sources de l’art et très ancrée dans sa modernité, son œuvre mériterait une grande exposition en Lorraine qui l’a vu grandir…

(*)  Michel Kanter, Sur le mur / On the wall, Villa Tamaris centre d’art, «3 décembre 2016 au 29 janvier 2017 , textes de Robert Bonaccorci et Cassandra Neyenesch .
(**) Michel Kanter, U.S stamps / Jean-Charles Taillandier, Portraits revisités, Galerie 379 Nancy, janvier 2009.

379 Galerie artothèque, 379 avenue de la Libération, 54.000 Nancy
Pour toute information sur l’actualité de la Galerie artothèque et des Carrés 379, une collection :
https://asso379.wixsite.com/artcontemporain
https://www.facebook.com/379-Galerie-Artotheque-134517727159014/

Peintures bavardes de Martine Ziegler Challoit

Martine Ziegler Challoit, tryptique, acrylique sur toile, 30×30 cm (2020).
Cliquer sur l’image pour l’agrandir.
Martine Ziegler Challoit, tryptique, acrylique sur toile, écriture, collages, 30×30 cm (2000).
ci-dessous : peintures préparatoires, 10×10 cm (2000)

Peintures bavardes est le titre choisi par Martine Ziegler Challoit à son exposition de peintures présentée à la Galerie-artothèque 379 de Nancy jusqu’au 30 décembre 2020. Si, certes, le bavardage est une façon de s’exprimer par rapport au monde, il n’est pas à prendre ici au sens d’un flot d’éloquence parfois stérile et vain, mais plutôt dans l’art d’un dévoilement pudique, d’une mise à nu d’un secret qui relève de l’intime. C’est l’art noble de la peinture de s’immiscer dans un univers qui se dévoile à nous, et qui se révèle d’autant plus si le peintre nous procure quelques clefs d’entrée.

Les signes, graphes et motifs de sa peinture appartiennent à son histoire et sa mythologie personnelle, dont la première série présentée ici remonte à plus de 20 ans. Elle travaillait alors sur le thème des grandes inventions et avait choisie la roue. Clin d’œil aussi à la Roue de bicyclette, premier ready-made de Marcel Duchamp, pour qui voir la roue tourner était très apaisant et ouverture sur autre chose que la vie quotidienne : “J’ai probablement accepté avec joie le mouvement de la roue comme antidote au mouvement habituel de l’individu autour de l’objet contemplé“. (1)

Ses trois toiles plus anciennes, datées de l’année 2000, et qu’accompagnent de petites esquisses, traduisent ces petites habitudes des humains : “La première fois que nous passons à un endroit précis, nous y consacrons beaucoup d’attention car c’est la phase de découverte. Si ce moment était une couleur, ce serait un ocre très clair proche du blanc : la couleur de la première peinture de ce tryptique. Puis, plus nous passons à cet endroit, moins nous lui accordons d’importance. La deuxième toile raconte cette histoire : l’encre noire des mots trace un chemin de plus en plus sombre au milieu de la toile, ne laissant que de rares éclaircies sur les côtés. La troisième toile est presque entièrement recouverte de ce noir avec toutefois en son milieu, une trace de cet ocre presque blanc, laiteux et chaleureux qui nous signifie la possibilité d’un retour à une réalité empirique, certes, mais en toute objectivité.“

Martine Ziegler Challoit, diptyque, acrylique sur toile, collages, 20×20 / 40×40 cm (2020).

L’ambivalence entre nos aspirations et le sens des réalités fut parfois rude pour nous tous à l’annonce de la mise en place du premier confinement dès le 13 mars 2020, pour une durée indéterminée. La crise sanitaire du covid 19 qui s’incrusta pour de longs mois dans la vie de chacun marquera sans doute de son empreinte l’expression artistique, en particulier des arts plastiques.
L’artiste, qui sonde les profondeurs de la connaissance de soi, les révèle au jour pour les apprivoiser, ou encore les exacerber. Question de nature ou de force de résilience. À chacun sa méthode, à chacun sa thérapie…. La création artistique trouva sans doute chez Martine Ziegler Challoit une vertu propice à exprimer un cri libérateur, à repousser plus loin ses propres murs. La soupape lâche et la couleur éclate sur la toile, gicle, violente et propulsée par des gestes rapides et convulsifs. Quitte à recourir, précise-t-elle au procédé quasi chamanique ou magique de réalisation de gris-gris de protection avec des chiffons d’atelier et du bois flotté…

Son univers plastique s’ancre à ce qui se dit et se crie dans la rue, très sensible à l’expression spontanée des graffitis sur les murs. Sur la toile de plus en plus apaisée, ils se bousculent, mêlés aux graphes et autres symboles tels des signaux mémoriels d’un environnement urbain ou d’une enfance vécue dans la campagne avec pré et garennes où sautaient les lièvres, croix du calvaire de son village natal, corne à eau, fil à plomb et pierre à affuter la faux du grand-père, passoire et faisselle où s’égouttait lentement le lait caillé. Sans oublier , omniprésent le cercle et la roue symbolique d’un éternel retour.

(1) Extrait de Roue de bicyclette, épitexte, texte et intertextes, André Gervais, Les Cahiers du Musée national d’art moderne

Martine Ziegler Challoit, quatuor, acrylique sur toile, 30×30 cm (2020).

Galerie : Martine Ziegler Challoit, sélection de 9 acryliques sur toile, 30×30 cm (2020).
Cliquer sur l’image

Peintures bavardes de Martine Ziegler Challoit sur le grand mur des Focus
Artothèque-galerie 379, 379 avenue  de la libération, Nancy. Visible pendant le week-end artothèque des 19 et 20 décembre, les lundis et tous les jours sur rendez-vous jusqu’au 30 décembre 2020. Ouverture dans le respect strict des règles sanitaires en vigueur.
Tel : 06 87 60 82 94 / 06 04 45 99 35.
379 est membre de LoRA et de la FRAAP.

Coordonnées de l’artiste : martine.ziegler.challoit@gmail.com

Odile Kolb, ich bin megalith


<p class="has-drop-cap has-text-align-justify" style="font-size:15px" value="<amp-fit-text layout="fixed-height" min-font-size="6" max-font-size="72" height="80">Une exposition magnifique sur les cimaises du château de Courcelles de Montigny-lès-Metz rend hommage jusqu'au 29 mars 2020 à Odile KOLB, peintre messine disparue en 2016. Saluons ici la volonté de ses enfants Mathieu et Barbara, et toute l'équipe culturelle de ce lieu d'accueil réunie autour de Mme Monique Sary, de pérenniser sa mémoire d'artiste. Le choix ici retenu de ses œuvres (auxquelles se joignent quelques prêts de collectionneurs privés) impose une fois encore la force singulière de ses peintures et dessins sur papier dans leur intransigeance, leur puissance et leur pureté. <br>Fidèle à une grande économie chromatique, elle affrontait la toile dans un langage fiévreux de stries, de superpositions et d’aplats d’où émergera l’équilibre des masses. Ainsi l’épaisseur des pigments et l’agencement des formes lentement prenaient corps en un désir d’y déverser la violence d’un cri face à la brutalité et l’injustice du monde.Une exposition magnifique sur les cimaises du château de Courcelles de Montigny-lès-Metz rend hommage jusqu’au 29 mars 2020 à Odile KOLB, peintre messine disparue en 2016. Saluons ici la volonté de ses enfants Mathieu et Barbara, et toute l’équipe culturelle de ce lieu d’accueil réunie autour de Mme Monique Sary, de pérenniser sa mémoire d’artiste. Le choix ici retenu de ses œuvres (auxquelles se joignent quelques prêts de collectionneurs privés) impose une fois encore la force singulière de ses peintures et dessins sur papier dans leur intransigeance, leur puissance et leur pureté.
Fidèle à une grande économie chromatique, elle affrontait la toile dans un langage fiévreux de stries, de superpositions et d’aplats d’où émergera l’équilibre des masses. Ainsi l’épaisseur des pigments et l’agencement des formes lentement prenaient corps en un désir d’y déverser la violence d’un cri face à la brutalité et l’injustice du monde.

Je connais le travail d’Odile KOLB depuis des années. Elle poursuivait sur une ligne de crête étroite sa voie exigeante qui fait vibrer les plus infimes résonances d’une palette restreinte ou dominent le noir, le gris et le rouge. Sa démarche si singulière offre au regard une peinture dépouillée à l’extrême dont la quintessence tentera d’exprimer en quoi l’Art peut sauver l’homme de sa sauvagerie naturelle : « Comment pourrais-je faire de la peinture réaliste actuellement, ce serait pire qu’une toile noire ! », clamait-t-elle.
C’est une peinture de révolte qui s’expose dans sa nudité pure au regard du spectateur.
Depuis plus de trente années, Odile Kolb, à l’œuvre sans relâche dans son étroit appartement-atelier de Metz, s’immergeait dans sa peinture, rageant contre le désordre (désastre) du monde. Elle en fouillait les entrailles avec son pinceau-scalpel, prenant le spectateur à témoin. C’est une œuvre de haute exigence, et aussi une œuvre de partage et de contemplation, qui sollicite notre temps et notre attention. Osons à ce propos cette citation de Rothko : « A travers le temps, de point en point, l’œuvre d’un peintre progressera vers la clarté, vers l’élimination de tous les obstacles entre le peintre et l’idée, et entre l’idée et l’observateur »

« Ich bin ein megalith« , proclamait-elle…


Suite Fukushima, pigments et sable sur toile. La série entière comprend 10 toiles, chacune 50 x 100 cm .

Pourtant, ne nous y trompons pas : la puissance visuelle de cette peinture n’est pas tant dans sa force brute, mais dans la subtilité tactile des surfaces. Quand Odile évoquait son travail d’atelier et sa confrontation intime au matériau, elle privilégiait très vite l’importance de son rapport presque charnel avec la matière, fût-il l’acrylique, l’encre, la pierre noire ou le sable. Elle en parlait d’ailleurs volontiers en caressant sa toile du bout du doigt. Une sensibilité la traversait, bien au-delà de l’apparent nihilisme que pouvait traduire le titre  « le chien, la mouche et moi » qu’elle avait souhaité donner  à son exposition de novembre 2012 à la chapelle des Trinitaires de Metz…
L’actualité du moment avait alors donner corps à un ensemble des dix panneaux « Série Fukushima » peints dans l’immédiateté des semaines qui avait suivi ce drame nucléaire au Japon. Nous les retrouvons dans l’actuelle exposition, clamant toujours dans une proximité des blancs, des gris et des ocres, la protestation d’une démesure humaine où se mêlent les aciers, les sables contaminés et une mortelle lumière, loin de toute présence humaine.

Est-ce le même message que portent ces grands formats, d’où sourd une lumineuse présence parmi d’informes étendues grises ? Si l’homme ne peut plus croire en l’homme, il peut croire encore en la peinture avec Odile KOLB.



Ci-dessus 1-2-3 – Sans titre, pigments acryliques et collage sable sur toile, 89 x 116 cm



g: Sans titre, pigments acryliques et collage sable sur toile, 76 x 100 cm
d : Sans titre, acrylique sur toile, 180 x 155 cm


Exposition « Ich bin megalith » – Odile KOLB
Château de Courcelles, 73 rue de Pont-à-Mousson, 57950 Montigny-lès-Metz
Tel : 03 87 55 74 16 –  http://europa-courcelles.montigny-les-metz.fr
du 01 février au 29 mars 2020 – Vendredi/samedi/dimanche,  de 14 à 18 h.
Catalogue disponible, avec texte de Raymond Oillet
Photo affiche Florian Martin.

Joël Krauss, masques : les affres de la guerre

Joël KRAUSS, les affres de la guerre 1 et  2, 3, 4, 5 (ci-dessous)
Bronze patiné sur socle altuglass, exemplaire unique.
Hauteur 30 cm (45 cm avec socle), année 2018. (Cliquer sur l’image pour l’agrandir)

Le langage de l’art au plus proche du vécu : c’est l’expression la plus pertinente qui me vienne à l’esprit pour définir le geste artistique de Joël Krauss.
Soit donc un ensemble de dix-huit visages de métal sculptés, ces « masques de bronze » tels qu’il les définit, et qui cristallisent les derniers instants de soldats au combat.
Joël Krauss, lui-même Grand Invalide de Guerre, est aussi peintre, mais d’une peinture apaisée. Il a fallu sans doute intimement chez lui la confrontation tactile la plus brute à la matière, au plus proche de la terre, pour affronter l’expulsion de ce cri resté longtemps en son être comme en hibernation. Cette expérience de sculpteur, nouvelle dans son parcours d’artiste et si intimement liée à son vécu, fait de lui le plus apte à en parler, et nous lui laisseront la parole.
Nous, simples regardeurs, recevons cette création comme témoignage d’un passé et d’un vécu douloureux, dont l’Histoire n’est hélas pas avare. Mais elle est aussi un manifeste pacifiste offert à l’humanité présente et future. Ce qui est une définition noble de l’œuvre d’art…

Je suis né en Lorraine, terre de combats. Ses paysages conservent la trace des bouleversements liés aux millions d’obus qui ravagèrent les sols, marqués par ces combats acharnés que soulignent le piquetage des croix et des stèles blanches de nombreux cimetières militaires.
Lors de mon service militaire, effectué comme officier appelé en Algérie, j‘ai été grièvement blessé et suis devenu Grand Invalide de Guerre. La souffrance, l’approche de la mort m’ont amené à chercher un moyen de faire ressentir et de transmettre la souffrance et les affres de la mort de ceux qui partaient pour la guerre.

      J’ai fait le choix de la guerre terrible de 14/18, en tentant d’imaginer ces affres de la mort qui hantaient les soldats montant à pied vers le front, vers les tranchées. Ils savaient que la moitié d’entre eux ne survivraient pas à ce long trajet, et que les survivants seraient blessés, certains physiquement, mais tous psychologiquement, à vie.
Ces affres de la mort étaient pour eux s’imaginer déchiquetés par les éclats d’obus ou enterrés vivants lors des pilonnages infernaux, lorsqu’une partie de la tranchée était pulvérisée par les obus. C’était aussi s’imaginer fauchés par les tirs de mitrailleuses lors d’assauts vers les lignes ennemies. C’était aussi s’imaginer, lors d’un assaut ennemi, être réduit en momie calcinée par un jet de lance-flamme ou mourir d’une longue asphyxie dans une nappe de gaz toxique. C’était enfin une désespérance immense qui les rongeait, de penser que leur vie allait s’arrêter là, leur ôtant la possibilité de vivre une vie d’homme, de mourir sans avoir aimé. Cette angoisse sur leur devenir s’amplifiait de jour en jour alors qu’au front, ils voyaient leurs compagnons de combat succomber.
J’ai imaginé, alors que la mort les atteignait, que les affres de la mort qui les hantaient, se cristallisaient sur leurs visages, les transformant en masques de soldats inhumains d’une guerre inhumaine.

      Ces masques de bronze reconstituent une apparence imaginée de visage dans la stupeur de leurs derniers instants. Et pourtant, les masques inhumains qui remplacèrent leurs visages conservent encore quelques traits humains.
L’idée de départ qui a guidé la conception de ces masques était une tentative d’exprimer, pour le centenaire de la guerre de 14/18, la violence infernale et les affres de la mort insupportables que subissaient les soldats sur le front des combats.
Puis progressivement, ce qui a guidé la conception artistique de ces masques a été la volonté d’utiliser cette tendance naturelle qu’a le cerveau humain de percevoir des visages là où il n’y en a pas : la paréidolie.

Torturée, l’apparence des visages fait ressentir l’immense souffrance de ces soldats qui voulaient que cette guerre de 14 / 18 soit la Der des ders !
Joël Krauss

Les sculptures de Joël Krauss seront visibles à son atelier les 11 et 12 mai prochain à Nancy pendant les Ouvertures d’atelier du Grand Est (voir ci-contre).
Ateliers du Canal (ateliers partagés) – Impasse du 26e R.I., 54000 Nancy
Avec ses invités :
         Jean-François Laurent (sculpture)
         Marie-Claire Chevillot et Lakonik (peinture)
         Elisabeth Poydenot et Jean-Charles Taillandier (dessin/gravure)

Coordonnées de l’artiste Joël Krauss : Tel 06 71 00 32 03
j.krauss@free.fr

Les Baltiques, de Claudine Rémy

Je suis couché sur mon lit les bras en croix. Je suis une ancre confortablement enfouie qui retient l’ombre profonde au-dessus d’elle. Cette grande inconnue dont je participe et qui est certainement plus importante que moi.
Tomas Tranströmer
Baltiques. Œuvres complètes – Poèmes 1954–2004, éd. Gallimard

les baltiques1

Claudine REMY, les Baltiques  1, et ci-dessous 2 à 6,
pigments acryliques sur  papier marouflé, 31,5 x 24 cm (2017/2018).
Photos©Nicolette Humbert

      L’exposition Baltiques de l’artiste Claudine Rémy nous accueille sur les cimaises de la galerie 379 de Nancy (*) avec une nouvelle série de plus de 20 peintures sur carton, pour la plupart de format 31,5 x 24 cm, travaux inédits aux surfaces mates et suaves et aux couleurs de terre et d’eau. Notre regard ne s’accroche pas ici à l’abrupt surgissement de formes qui déchireraient l’espace mais plonge dans une béance sourde à la lisière d’un matin ou d’un crépuscule incertain, parfois creusé de trouées blanches ouvertes sur une lumière intemporelle.
A défaut donc de repères tangibles, le regard tente dans une première approche d’ordonnancer quelques volumes, ouvertures dans l’espace et lignes d’horizon, afin de percer cette géographie du songe ou de la mémoire, sachant d’instinct qu’une vérité s’y cache appartenant à l’intime de l’artiste : un vestige de présence ou une mémoire enfouie…

      L’analogie est saisissante entre Baltiques, cette série nouvelle de peintures, et les séries antérieures intitulées Le pont d’amour et Têtes métaphoriques présentées déjà à la galerie 379 en 2011 (voir article Le pont d’amour de Claudine Rémy). Celles-là étaient nourries d’images mentales au carrefour d’une nostalgie d’enfance vécue sur les rives des lacs vosgiens et de souvenirs maternels. On observait déjà dans ces œuvres le même phénomène de transmutation du paysage mémoriel en peinture : « Que cette Terre soit fleurie, meurtrie ou universelle, c’est l’obsession d’un chez-moi, d’une demeure, d’une âme sœur, d’une mémoire, d’un sentiment d’appartenance qui se révèle. J’habite dans mes peintures. Les peindre est une sortie. » (Cl. Rémy, extraits).

      Il s’agit de quête, cette fois encore, inspirée non pas de l’album familial mais puisée dans l’expérience vécue d’un voyage en Allemagne, dans la région côtière de la mer Baltique, sur les traces de son père qui fut prisonnier de guerre, là-bas, au camp de Torgelow, de 1940 à 1945. Il en revint, meurtri, mais parla très peu par la suite de cette expérience douloureuse.

      Sa fille artiste portait en elle ce mutisme comme une lointaine souffrance  et elle avait ce désir fort de retourner sur ses pas, tout là-haut vers le Nord. En 2017, elle a fait ce voyage;  elle a découvert sur place quelques rares vestiges du camp et un mémorial. Elle s’est immergée dans le paysage, esquissant de tout son être une commune réalité entre elle et son père. De retour à l’atelier, elle travailla une année à cette série de peintures, bardée de ses souvenirs, ses ressentis et de tous ses  croquis et repérages photographiques. Et comme enveloppée, imprégnée aussi de l’œuvre de Tomas Tranströmer, ce grand poète suédois maître de la métaphore, dont les écrits, explorant la splendeur de la nature nordique et notre relation intime avec le monde, ont, dit-elle, « cimenté » son travail de peintre.

      Le souvenir du père ressurgit dans ce patient ouvrage intime qui va au-devant de sa figure lointaine et absente dans l’empreinte de ses pas. C’est une expérience de décantation dont le peintre est le médium et la peinture un espace ouvert à toutes les expériences sensibles, pour faire affleurer à la surface du papier ces entrelacs de paysage vécu, d’imaginaire et de nostalgie profonde. La nature sauvage de la Baltique et ses lointains horizons englobent l’espace entier du cadre, tendu au bord du réel, au-delà de toute temporalité.
C’est un paysage que l’on devine ou qui se cherche peut être lui-même, gardant en son sein la figure emblématique du père, laissant apparaître où bon lui semble la trace de sa présence : dans l’évanescence d’une rive sablonneuse, en lisière de forêt ou au milieu des embruns, les bras en croix telle une « ancre confortablement enfouie« , celle-la même qu’évoque la poésie de Tomas Tranströmer.

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(*) Galerie 379, 379 avenue de la Libération, Nancy / Exposition jusqu’au 13 octobre 2018
Ouverture du mercredi au samedi de 17 à 19 h et sur RV : 06 87 60 82 94 / 06 83 09 58 13
http://claudineremypeintures.ultra-book.com/ 
Remerciements à Nicolette Humbert pour les photographies .   

Chambre d’ombre, de Patrick Jacques

Chambre d’ombre est un titre tout nimbé de mystère d’une exposition du photographe lorrain Patrick Jacques (*), présentée par la SAMM (**) à la médiathèque Victor Hugo de Saint-Dié-des-Vosges jusqu’au 24 décembre 2016. Un retour aux sources où il a grandi et a affirmé un talent reconnu dans le milieu photographique (Vis-à-Vis international, le Monde et Libération…), et présenté à plusieurs reprises sur les cimaises des Rencontres internationales de photos d’Arles. Auteur de nombreuses commandes et reportages en Lorraine, et pédagogue (il enseigne depuis vingt ans la photographie à l’Ecole supérieure d’arts de Lorraine d’Epinal), il affirme ici une fois de plus son intérêt pour toute forme d’approche expérimentale de la photographie. Au même titre qu’il avait, par exemple, participé à la réalisation d’un sténopé avec les élèves d’un lycée professionnel de Morhange en 2004-2006. Ici encore, en l’occurrence, ce versant de son œuvre singulière aurait pu avoir pour titre « aux sources du regard » car il en réfère à l’œuvre et expérimentations de pionniers de la photographie.

Patrick JACQUES, Mur carafe, photogramme, environ 40×40 cm.
Bas : Verre bille, photogramme, environ 28×40 cm. © P. Jacques

Ce présent travail est un retour jusqu’aux aux gestes fondateurs de l’artiste hongrois Moholy-Nagy ou du photographe Man Ray qui dans les années 1920 expérimentaient les techniques du photogramme. Soit donc, dans l’essence minimaliste du geste photographique l’exposition à la lumière d’un objet posé sur un papier sensible, sans recours à l’objectif d’un appareil photographique. Dans l’espace clos et noir du laboratoire, une image naît de la simple exposition d’objets à la lumière. Pas n’importe quels objets dans ce contexte précis : des objets de verre et de cristal car ce travail de laboratoire entrepris par Patrick Jacques est le dernier volet d’une restitution de résidence photographique (Le rayon verre) consacrée aux métiers du verre dans la région lorraine, initiée et portée par l’association Surface sensible. Par ailleurs, deux autres volets concernent, l’un, un travail en studio avec des modèles qui se cachent sous une plaque de verre ou bien jonglent avec des billes de verre (dont plusieurs clichés sont présentés ici dans l’exposition), et l’autre, une rencontre avec les verriers sur les quelques sites de fabrication, encore en activité ou en passe à l’oubli. Il en a observé dans les ateliers les techniques de fusion et de façonnage de la matière brute.

De l’art fascinant et magique du verrier aux spéculations du photographe se coltinant aux lois de la lumière, le lien est étroit. Et sans doute, dans l’œil du photographe, l’étincelle de mystère qui habitait les inventeurs des clichés- verre de l’école de Barbizon n’est pas éteinte : le même étonnement, la même appréhension de l’image qui surgit du néant… Car il n’y a pas d’art sans cette part de mystère que l’on redoute tout en le sollicitant.

Et la même chose vaut pour le regardeur passionné que je suis à ce vernissage d’exposition, qui découvre ces images énigmatiques en noir et blanc, au grain de peau si subtil qu’on le croirait né sous le berceau d’un graveur de manière noire. Des formes imprécises émergent d’un noir ou gris velouté, si imprécises que l’esprit n’a d’autre recours que de faire appel à ses propres ressources pour clore une interrogation inconfortable. Que représente cette image ? La proue d’un navire dans une nuit de tempête… ? Une fantasmagorie d’ombres chinoises…? Et l’on à peine à croire finalement que le sujet d’étude du photogramme est une simple cruche de verre métamorphosée sur le papier sensible par une intervention subtile et maîtrisée de la lumière.

C’est à ce bel échange que nous convient les photographies de Patrick Jacques. Ne les manquez pas…

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Patrick JACQUES, sans titre 1 / sans titre 2, photogramme, environ 40×60 cm. © P. Jacques

A noter que l’exposition s’accompagne de la publication du livre Chambre d’ombre. Sa grande qualité éditoriale présente en symbiose parfaite les photographies de Patrick Jacques avec une nouvelle de Julia Billet qui évoque une ville aux frontières de verre (livre dessiné par Cyril Dominger – Editions du Pourquoi pas, 88000 Epinal).
(*) Site internet de l’artiste : http://patjacklulu.wix.com/patrick-jacques
(**) SAMM, Société des Amis des Médiathèque et du Musée Pierre Noël, en partenariat avec la ville de Saint-Dié-des-Vosges. Son président est le critique d’art Pierre Van Tieghem, par ailleurs commissaire de l’exposition. Exposition Chambre d’ombre, de Patrick Jacques
Du 05 novembre au 24 décembre 2016
Médiathèque Victor Hugo, 11 rue Saint Charles, 88100 Saint-Dié-des-Vosges
Fermée dimanche et lundi / Tel 03 2951 60 40
Une rencontre entre Patrick Jacques et le public est prévue le samedi 10 décembre 2016 à 16 heures.

Jacques Koskowitz, la rigueur dans l’art

      Artiste lorrain, Jacques Koskowitz (1932-1997) a vécu quarante ans à Vandoeuvre. Sa ville lui rend aujourd’hui hommage en donnant son nom à la salle d’exposition de la Ferme du Charmois où une exposition de ses peintures, dessins et sculptures est présentée au public (*). C’est une opportunité trop rare de découvrir l’œuvre rigoureuse, multiforme et sans concession, à l’image de son auteur.

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Haut : Jacques KOSKOWITZ, « Café mon enfant », huile sur toile, 60×80 cm;
Cette peinture a le même titre que la biographie de JK dans laquelle il raconte son enfance dans le café de son père.
Bas : – Portrait de Jacques Koskowitz / personnage en carton peint, h.170 cm. © jc Taillandier
Portrait de Jeannine Rollot, huile sur toile, détail, vers 1970 / Personnage, carton, détail.©Blog les amis de JK.

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Les débuts
Pédagogue inspiré en lycée, école normale puis école des beaux-arts, il a transmis à de nombreux élèves sa vaste connaissance de l’art et au-delà, la culture de son époque. Insufflant savoir technique et vagabondage érudit parmi les grandes oeuvres du passé, il offrait à chaque étudiant plus qu’un savoir, il ouvrait le regard. En grand admirateur de Van Gogh, qu’il appelait fraternellement Vincent, il en lisait assidûment Les lettres à son frère Théo. Je dis fraternellement car il partageait sans doute intimement avec lui une précarité de vie teintée d’absolu dans une société qui ne reconnut pas son œuvre à sa juste valeur. Artiste à multiples facettes, il se tournera vers la production de films d’art pour FR3 consacrant des courts métrages à l’ensemble de ses pairs lorrains tels Ligier Richier, Georges de La Tour ou Claude le Lorrain, ou vers le décor de théâtre, ou la création d’affiches, la bande dessinée. Dès les années 60, il ne cessera de peindre, d’abord à la manière de Cézanne et Van Gogh,  pour aboutir dans les années 70 à une peinture très personnelle à la limite de l’abstraction, et avant un retour tardif au figuratif. Dès 1976 naîtront les Rouges Verts, ces clowns diaboliques et féroces créés avec son ami Michel Piotrkowski pour la troupe de théâtre « Piotr et Ko… et à la musique Bichou« .

      J’ai côtoyé et apprécié longtemps Jacques Koskowitz, cet homme secret et silencieux, voire taciturne, qui faisait partie du petit groupe d’artistes fondateurs de la galerie d’art contemporain associative Lillebonne de Nancy. Sa peinture violente et acérée, rigoureusement construite lui sortait du cœur comme un cri, éclaboussant à notre regard une colère et sans doute une douleur. Douleur née d’une enfance vécue pendant la guerre et l’Occupation,  et surtout générée de son sort d’appelé pendant la guerre d’Algérie. Par-delà l’apparence paisible de l’artiste, souriante et d’une humanité débordante, sa peinture en est paradoxalement sa face cachée qui braque en miroir la violence et la cruauté du monde. Terrible arme accusatrice que cette peinture ancrée dans son siècle, dans la lignée directe d’un Goya. Une violence sourde nourrit sa peinture et sa sculpture, mais qui ne s’installe jamais dans le confort d’un langage abouti. Il était ainsi, « Kosko », déroutant son fidèle public vers des voies inattendues, à la poursuite de territoires inexplorés, dont lui-seul en pressentait la cohérence. Il en fut ainsi de ses premiers portraits de pur classicisme des années 60, d’un figuratif évoluant progressivement vers l’abstraction avant un retour au figuratif. Son œuvre est une quête d’une vérité intime qui se joue des classifications esthétiques.

kosko51Haut : Jacques KOSKOWITZ, « paysage », huile sur toile, 80×33 cm, années 60.
Paysage ou portrait ? Une anamorphose présente un visage qui se desssine sur le paysage.© jc Taillandier
Bas : Sans titre, huile sur toile, 60×80 cm, vers 1970.©jm Dandoy

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       Dans une interview (La phrase et le reste, N°1, mars 1971) il questionne l’attirante blancheur de la toile encore vierge, avant le premier coup de pinceau qui scellera la rupture d’une harmonie préétablie, celle d’une lumière pure approchée par Malévitch et son carré blanc sur fond blanc… Absolu impossible de la peinture tout geste du peintre ne serait alors qu’une main tendue à « l’édification de la Règle parfaite ». Des plages de blanc surgissent dans la violence colorée de ses toiles, elles sont autant de trous d’air et de respiration dans l’échancrure des formes et la violence des couleurs.
Il mettra à contribution tout son vocabulaire plastique au service exclusif de cette vérité intime et fondamentale : violence du trait, du rythme, des lignes de force et des couleurs primaires qui transfigureront ces visages émaciés en masques ouverts à la béance du dedans, ou la frontière entre terre et ciel de ses paysages en geste rageur débarrassé de toute préoccupation du motif, impulsé du plus profond de son être. Ce geste qui strie l’espace, le lacère et le déchire est le geste fondateur du peintre solitaire, qui, comme il le citait lui-même « s’inscrit dans la durée, dans un travail en profondeur ».

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Jacques KOSKOWITZ, « tête de chien », h 40 cm / Boîte assemblage, carton, 25x30x25 cm.©jc Taillandier

      Ses personnages en carton ou bois, longilignes et colorés apparaissent dès 1976, sur la scène du théâtre, mais aussi en situation dans des lieux ouverts et quelquefois saugrenus. Hiératiques et froids, ils semblent tout droits sortis d’un univers de science-fiction, et sont acteurs muets d’un « théâtre de l’immobilité ». L’utilisation de la troisième dimension est récurrente dans son œuvre, à l’extrême enfermant ses personnages clownesques dans des espaces confinés, métaphore d’une télévision omniprésente condensant dans sa boîte noire la violence du monde et le formatage des têtes… Ce cri de révolte de l’art sort du cadre étroit de la peinture dont le langage exclusif serait désormais tenu  pour trop traditionnel et trop respectueux… Nous ne sommes plus dans l’exacerbation d’une révolte portée par l’expressionnisme des années 20. Ces personnages de carton sont bientôt rejoints par les Rouges-verts, deux clowns ricanants et cruels, émissaires du Mal dans un cirque de violence et de dérision. Ils sont les mutants agressifs des créatures burlesques  et diaboliques, les Pim Pam Poum, les Flash Gordon, les Pieds Nickelés qui peuplaient ses BD de jeunesse et l’enchantaient. Mais l’innocence a été perdue au contact de la cruauté du monde… Les Rouges-verts habiteront aussi sa peinture à la fin de sa vie, et leur humour grinçant peuplera surtout de nombreux dessins emplis de dérision cruelle et de désenchantement.


kosko81kosko91kosko121Jacques KOSKOWITZ, « Les Rouge-verts », dessins sur papier, 50×70 cm, années 80. ©jm Dandoy

      Plus qu’un peintre, Jacques Koskowitz était un plasticien. Il mettait à contribution de son message de révolte, toutes les ressources de la peinture, de la sculpture et du spectacle vivant, sans aucune concession aux modes. Nous pouvons sans doute parler à son propos de peinture tragique, d’une même peinture tragique qui animait Soutine, parce qu’elle traverse un temps tragique et que sa vie fut, elle-même, intimement traversée de tension et de désillusions.
Mais toutefois, l’optimisme n’y est pas absent. Le propos consiste à tenir tête, à dénoncer et à peindre encore, avec une foi inébranlable dans l’art. Il l’a écrit en ces mots :
« L’homme vieilli se refuserait de croire à l’incapacité qu’il serait de fixer la lumière intense qui, un court instant, d’une manière fulgurante avait ébloui le premier homme.
La dernière image qui nous reste de ce songe inconscient est celle de l’homme traçant l’ultime ligne du dessin. » (Jacques Koskowitz,  La phrase et le reste, hiver 1977)

(*) Exposition présentée du 19/09 au 13/10/2016 à la Ferme du Charmois de Vandoeuvre-lès-Nancy, et rendue possible par la collaboration et le prêt d’œuvres par la  famille et par les membres de l’Association des amis de Jacques Koskowitz.
Pour plus de renseignements sur l’artiste :
– Blog des amis de Jacques Koskowitz
– Blog Jean Michel Marche
– Association des Amis de Jacques Koskowitz,
14 rue du cheval blanc, 54000 Nancy, tel +33 (0)3 83 27 29 02.